Fuori Londra: The Red House

Dopo il suo matrimonio con la bellissima Jane Burden, figlia di uno stalliere e icona dei preraffaelliti,  William Morris aveva messo le mani in tasca e si era deciso a spendere una cifra considerevole della sua altrettanto considerevole ricchezza (anche i socialisti possono essere ricchi…) per farsi costruire dall’amico Philip Webb la casa dei suoi sogni, la Red House.
Dal 2002 nelle mani amorevoli del National Trust, la Casa Rossa (costruita in mattoni rossi da cui il nome) esiste ancora oggi nel sobborgo di Bexleyheath, nel Kent, ora un anonimo villaggio a quaranta minuti di treno da Londra, circondata dalle case dei pendolari che hanno colonizzato la campagna circostante e che fanno la spola quotidianamente con la Capitale, come un tempo aveva fatto William Morris.

Disegnata dall’architetto Philip Webb e dallo stesso Morris, la Casa Rossa rappresentava un nuovo approccio sia alla vita che al lavoro che si allontanava volutamente dai modelli vittoriani. Torrette, soffitti con travi a vista e saloni medievali rappresentavano quello che per Morris e i suoi amici – Dante Gabriele Rossetti e sua moglie Lizzie Siddal, Edward e Giorgiana Burne-Jones, Charles Faulkner e le sue sorelle Lucy e Kate, Ford Madox Brown che erano stati chiamati a partecipare al progetto di questa Comune artistica – costituiva l’idea di “architettura moderna.”

Ma lungi dall’essere solo un progetto architettonico e un luogo in cui si sperimentavano design innovativi, la Red House fu anche, e soprattutto, un’esperienza di vita per un gruppo di artisti eccentrici e impegnati. Che oltre a Dante Gabriele Rossetti, fondatore con Millais e Holman Hunt della Confraternita dei Preraffaelliti, Morris era legato a Edward Burne-Jones da una profonda amicizia che risaliva agli anni di Oxford.

The Red House, London. 2014© Paola Cacciari
The Red House, London. 2014© Paola Cacciari

Qui, conquistati dalle antiche storie di cavalieri narrate nella Morte d’Arthur di Malory e dalle poesie di Tennyson, avevano dipinto episodi del ciclo di re Artù sulle pareti della Debating Hall e, in una Oxford pervasa dal risveglio cristiano, avevano sognato di dare vita a novelle comunità monastiche. Red House, edificata sulla strada che i pellegrini percorrevano verso Canterbury, nella visione di Morris doveva diventare una sorta di Camelot dell’Ottocento, la residenza conviviale di una comunità di amici creativi impegnati a rinnovare il mondo con un progetto personale, politico e artistico.

William and Jane Morris The Red House, London. 2014© Paola Cacciari
William and Jane Morris The Red House, London. 2014© Paola Cacciari

Una casa grande per gli standard attuali, ma molto intima per quelli dell’epoca, con i mobili disegnati da Webb e dipinti da Rossetti decorati da motivi chauceriani e scene arturiane, mentre Jane, una finissima ricamatrice, e William creano tessuti e disegni che trasferiti poi su carta saranno la base per il glorioso progetto di carte da parati di Morris. Ned e Giorgiana Burne jones dovevano abitare in un’ala ampliata della casa, e anche Rossetti e Lizzie.

William Morris, photographed by Frederick Hollyer in 1884. Photograph © National Portrait Gallery
William Morris, photographed by Frederick Hollyer in 1884. Photograph © National Portrait Gallery
Ma i sogni non durano mai molto a lungo, neanche se il sognatore si chiama William Morris. E dopo soli cinque anni, nel 1865, Morris, stanco e affaticato per i continui viaggi a Londra (tre ore di treno ad andare e tre a tornare: non soprpende fosse stanco!) , sede della Firm, l’impresa artigiana fondata con Faulkner e Marshall, con la collaborazione di Burne-Jones, Madox Brown e Rossetti, è costretto a vendere la casa per ragioni finanziarie. Georgiana si ammala dopo la perdita di un figlio, Lizzie Siddal muore per una overdose di laudano e Rossetti, persa la testa per Jane, inizia con lei una relazione non solo artistica (anche se la dipingerà ossessivamente) che tormenterà Morris per anni.
Nonostante la dispersione di mobili e affreschi, la casa conserva tracce rilevanti dell’allegra brigata. Ed è perfetta per una gita fuori dagli itinerari turistici…
2014© Paola C. Cacciari

Red House Lane, Bexleyheath, DA6 8JF,
020 8304 9878. Info:  redhouse@nationaltrust.org.uk

Bauhaus: la vita, l’arte, la bellezza

In mostra a Londra la straordinaria avventura del Bauhaus, scuola d’arte per eccellenza. Dalla fondazione alla chiusura, nel 1933, con l’arrivo del nazismo. Un percorso straordinario, che testimonia della sua estrema attualità. Al Barbican Center di Londra fino al 12 agosto.

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Bauhaus, Erich-Consemuller. Barbican

Già nell’Ottocento, William Morris, con le sue Arts and Crafts, aveva cercato di portare la bellezza alle masse. Come Morris, anche Walter Gropius (Berlino, 1883 – Boston, 1969) pensa che l’industria non debba essere nemica dell’artista (o meglio, del progettista), ma sua alleata, e che il prodotto creato non deve essere privilegio dei pochi, ma accessibile a tutti. Ed è su queste basi che nel 1919 riorganizza l’Accademia delle Belle Arti e la Scuola di Arti Applicate di Weimar nel Bauhaus.
In questa “casa della costruzione”, teoria e pratica, arte e artigianato hanno un unico scopo: riscattare l’oggetto d’uso dall’appiattimento della produzione industriale. È la Gesamtkunstwerk, l’opera d’arte totale. Nel Bauhaus non ci sono artisti ma artigiani, e non vi insegnano professori ma maestri di straordinario talento. Personaggi come Paul Klee, Wassily Kandinsky, Oskar Schlemmer, Laszlo Moholy-Nagy, Marcel Breuer e Gunta Stölzl, l’unica donna a insegnare alla scuola.
Tutto questo e molto di più in Bauhaus: Art as life, la più grande mostra dedicata alla scuola dal 1968. Un epico viaggio in quattrocento oggetti nella storia di questa rivoluzionaria istituzione nelle sue tre incarnazioni di Weimar, Dessau e Berlino. Organizzata in un approssimato ordine cronologico, la mostra curata da Catherine Ince e Lydia Yee si svolge sui due piani dello spazio cavernoso della Barbican Gallery. Uno spazio difficile per un soggetto altrettanto complesso.
Ciò che colpisce del Bauhaus è non solo la diversità della sua estetica, ma l’incredibile ricchezza delle sue discipline che, oltre a pittura e scultura, includono anche fotografia, teatro, danza, design, decorazione d’interni, tessuti e persino giocattoli per bambini e cartelloni pubblicitari.

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Bauhaus.-Marcel-Breuer

Al piano superiore, dedicato alla prima fase della scuola, a Weimar, dipinti di Kandinsky vanno di pari passo con le marionette di Kurt Schmidt, i caratteri da stampa di Herbert Bayer o i servizi da tè e da caffè di Marianne Brandt (l’unica donna impegnata nella fabbricazione di oggetti in metallo), tutti esempi tipici della tipologia standardizzata prediletta da Gropius. Il piano inferiore è invece dedicato al Bauhaus di Dessau, dove la scuola si trasferisce nel 1925 nello splendido edificio progettato da Gropius stesso, una pietra miliare nella storia dell’architettura moderna. Qui studenti e maestri vivono e lavorano insieme: una vibrante comunità artistica, diversa per provenienza geografica e formazione culturale, impegnata in uno sforzo artistico senza precedenti. Curiosamente l’architettura, per cui il Bauhaus è famoso ovunque, non diventa parte del programma di studio fino al 1927, quando Hannes Meyer si unisce alla scuola.
Certo, come per tutti gli esperimenti, anche per il Bauhaus sorgono, inevitabili, i problemi: le grandi industrie tedesche non sono interessate alla nuova estetica e rifiutano di partecipare alla produzione di massa. Senza di loro, i prodotti usciti dai laboratori della scuola sono destinati a rimanere costosissime ed esclusive creazioni che solo pochi possono permettersi. E così, come Morris prima di lui, anche Gropius non riesce a portare la bellezza alle masse.

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Bauhaus.Walter-Gropius-and-masters-on-the-roof.

È un tempo difficile quello tra le due guerre per la Germania, in balìa degli effetti della Grande Depressione e di una lunga instabilità politica. Ma neanche l’atmosfera pesante che si respira negli anni della Repubblica di Weimar sembrano intaccare l’umorismo e l’entusiasmo dei membri del Bauhaus. Nel pensiero di Gropius, il gioco è una parte importante della vita artistica della scuola, e le brillanti fotografie di Lucia Moholy e Joseph Albers aprono una spassosa finestra sulle abitudini, hobby, vestiario e amicizie di studenti e insegnanti, catturandone i preziosi e fugaci momenti di intimità.
L’ascesa al potere di Hitler è per il Bauhaus l’inizio della fine. Nonostante l’approccio apolitico tenuto da Ludwig Mies van der Rohe, il direttore in quell’ultimo, terribile anno a Berlino, la scuola diventa il bersaglio della stampa nazionalsocialista e della Gestapo, che chiude la sede per tre mesi, nel 1933. Privato di fondi, gli insegnanti accusati di bolscevismo, il Bauhaus non riaprirà mai più.
Tanto è successo e tanto in fretta nella storia del Bauhaus che si stenta a credere che tutto ciò sia accaduto in soli quattordici anni. Ed è proprio questa incredibile ricchezza di eventi (e di intenti) che rende ancora più evidente la mancanza di una conclusione nella parte finale della mostra, di una valutazione della straordinaria eredità lasciata dal Bauhaus nell’architettura, nell’arte e nel design di oggi. Ma questa è l’unica nota negativa in un viaggio altrimenti molto approfondito ed estremamente appassionante.

2012 by Paola Cacciari

Londra // fino al 12 agosto 2012
Bauhaus: Art as Life
BARBICAN ART GALLERY
Silk Street
+44 0845 1207550
www.barbican.org.uk/artgallery 

pubblicato su Artribune

Il culto della bellezza in mostra al Victoria and Albert Museum

Si racconta che, quando i suoi occhi si posarono sulla volgare carta da parati che decorava la squallida stanza del suo albergo di Parigi, il morente Oscar Wilde abbia mormorato: “Uno di noi deve andarsene”. Leggenda metropolitana? Poco importa: quello di Oscar Wilde e dell’Estetismo era un mondo in cui cose come la carta da parati contavano molto. Se ne parla, fino al 17 luglio, al Victoria and Albert Museum di Londra.

Frederic Leighton – Pavonia – 1858-59 © Private Collection c/o Christie

L’Inghilterra della metà del XIX secolo è una realtà in grande fermento. L’industrializzazione e la crescita urbana che ne consegue portano alla costruzione di case più confortevoli e a una crescente domanda di oggetti di arredamento (mobili, tappeti, tende e carta da parati) da parte di una borghesia ansiosa di promozione sociale. Ma la crescita economica e la produzione in serie sono nemiche della qualità. Qualità che William Morris, con il suo movimento delle Arts and Crafts, si propone di restaurare, dedicandosi alla produzione di oggetti che siano esteticamente belli, oltre che utili. Morris è un socialista che, opponendosi alla volgarità della produzione industriale, vuole portare la bellezza alle masse. Ma per un gruppo di intellettuali e artisti come Dante Gabriel Rossetti, il culto della bellezza diventa l’unico mezzo per opporsi al rigido moralismo vittoriano.

Napoleon Sarony – Oscar Wilde – 1882 – National Portrait Gallery, Londra

Celebrazione della bellezza in tutte le sue forme ed espressioni, The Cult of Beauty: The Aesthetic Movement 1860-1900 al Victoria and Albert Museum è una vera e propria festa per gli occhi, con oltre 250 opere (dalle fotografie di Julia Margaret Cameron ai colorati artefatti di William Morris e delle sue Arts and Crafts, ai numerosi dipinti di grandi dell’epoca come Frederick Leighton, Edward Burne-Jones e James McNeill Whistler) organizzate cronologicamente in quattro sezioni, racconta la storia dei padri del Decadentismo.

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L’Art Nouveau sotto gli ultimi Zar

Era il gusto della borghesia spregiudicata ed entusiasta del progresso industriale. Ma i virtuosismi sinuosi dell’Art Nouveau affascinarono anche chi borghese non lo era affatto…

Inaugurata nel Febbraio 2004 e non ancora interamente completata, la sede di Amsterdam del Museo di Stato dell’Ermitage presenta Art Nouveau under the last Tzars.

In mostra, numerosi oggetti donati dal governo francese agli ultimi, Zar Alessandro III (1881-1894) e Nicola II (1894-1917) provenienti dalle collezioni dell’Ermitage di San Pietroburgo: gioielli, mobili, porcellane, delicati vasi in vetro creati da nomi famosi dell’Art Nouveau come Émile Gallé, René Lalique, Tiffany e naturalmente Carl Fabergé.

Derivata in gran parte dall’ideologia di William Morris da cui riprende il desiderio di continuità stilistica tra spazio architettonico interno ed esterno, il movimento dell’Art Nouveau è un’arte totale che abbatte le barriere tra le arti decorative e arti maggiori. Nata in Europa attorno al 1880, l’Art Nouveau assume presto un carattere internazionale.

René Lalique, Vaso ‘Bacchants’, Parigi, c. 1924; vetro- altezza 24.5 cm - Courtesy of the Hermitage Amsterdam.
René Lalique, Vaso ‘Bacchants’, Parigi, c. 1924; vetro- altezza 24.5 cm – Courtesy of the Hermitage Amsterdam.

Conosciuta in Germania come Jugendstil, Secessione in Austria, Modernismo in Spagna e Liberty in Italia, si sforza di di fornire alla nascente civilità delle macchine un imagine idealizzata ed ottimistica rivestendo il tetro squallore della città industriale di una rigogliosa ornamentazione ispirata alla natura: motivi allungati, stilizzati, graziosamente distorti; fiori, uccelli, libellule, rocce; forme femmili ridotte a forme simboliche e scorporate, intrise di una sofisticata sensualità.

In Russia l’Art Nouveau prende il nome di Still Modern e coincide con un periodo particolarmente dinamico della vita culturale del Paese, anche grazie all’intensificarsi delle relazioni diplomatiche tra Russia e Francia. In cerca di un alleato potente per fronteggiare l’ascesa della Germania, negli anni che seguirono la sua sconfitta nella Guerra Franco-Prussiana del 1870-1871, la Francia ricoprì letteralmente gli Zar di doni in stile Art Nouveau di grandissimo valore, creati dai più famosi artisti dell’epoca. Come La danse de l’écharpe, donata dal governo Francese allo Zar Nicola II nel 1901 in occasione di una sua visita ufficiale a Parigi. Creata da Agathon Léonard van Weydeveldt e prodotta dalla famosa fabbrica di porcellane di Sèvres, questa decorazione da tavolo si componeva di quindici pezzi creati per l’esposizione mondiale di Parigi nel 1900. Le piccole figure di porcellana di altissima qualità, ritraggono la famosa danzatrice Loïe Fuller, musa ispiratrice di numerosi artisti tra cui Toulouse-Lautrec.

 Agathon Léonard van Weydenfeld-Decorazione da tavola ‘La danse de l’écharpe’ (The Scarf Dance)- porcellana di Sèvres, Francia- 1900- altezza delle figure c. 40-50 cm. Courtesy of the Hermitage Amsterdam.
Agathon Léonard van Weydenfeld-Decorazione da tavola ‘La danse de l’écharpe’ (The Scarf Dance)- porcellana di Sèvres, Francia- 1900- altezza delle figure c. 40-50 cm. Courtesy of the Hermitage Amsterdam.

Certo, la politica assolutistica e reazionaria di Alessandro III e Nicola II si accordava meglio con il grandioso stile neo-barocco degli arredi imperiali che con la delicata ornamentazione dell’Art Nouveau. Tuttavia questo stile diventò una presenza costante negli appartamenti privati dei sovrani e delle loro consorti. Ben nota era infatti la passione della Zarina Alexandra, moglie di Nicola II per i traslucenti virtuosismi in vetro multistrato di Émile Gallé (come lo stupefacente vaso Passiflora).

 Émile Gallé, Vaso ‘Passiflora’, Nancy, c. 1889; (detaglio)- cinque strati di vetro; base: due strati di vetro-altezza 63.5 cm. Courtesy of the Hermitage Amsterdam.
Émile Gallé, Vaso ‘Passiflora’, Nancy, c. 1889; (detaglio)- cinque strati di vetro; base: due strati di vetro-altezza 63.5 cm. Courtesy of the Hermitage Amsterdam.

Lontana dagli intenti socialisti auspicati da Morris, l’Art Nouveau non affronta la problematica sociale legata allo sviluppo industriale e, a differenza dall’Arts and Crafts, non tenta di riqualificare il lavoro degli operai. Al contrario, crea involontariamente un’arte d’elite apprezzata dall’alta borghesia e dall’aristocrazia, ma che proprio per questo non sopravviverà all’inasprimento dei conflitti sociali che porteranno alla prima guerra mondiale e, in Russia, alla Rivoluzione d’Ottobre, che segnerà per sempre la fine del regime degli Zar.

paola cacciari mostra visitata il 13 febbraio 2008

Articolo pubblicato su Exibart

The Hermitage Amsterdam

http://www.hermitage.nl/en/index.htm

mail@hermitage.nl