Object In Focus: Scatola giapponese.

Writing box, Nagasaki 1800-1850 (made) Victoria and Albert Museum

Writing box, Nagasaki 1800-1850 (made) Victoria and Albert Museum

Nelle British Galleries, le sale dedicate all’arte e al design britannico c’è una delicatissima scatola fatta per contere il necessario per la scrittura. È giapponese, in lacca intarsiata con disegni in madreperla. Acquisita nel 1852, è  uno dei primi oggetti giapponesi entrati nelle collezioni del museo, probabilmente  importato in Gran Bretagna attraverso l’Olanda, visto che prima del 1850 gli olandesi erano gli unici europei che potevano rivendicare diritti commerciali con il Giappone.

Trovo l’effetto domino che è derivato da questo evento estremamente affascinante. La forzata aperture dei porti del Giappone all’Europa e all’America scatenò una vera e propria mania per tutto quanto proveniva dalla terra del Sol Levante. La purezza delle linee, la semplicità e il naturalismo di modellato ebbero una influenza determinate sull’arte Britannica ed europea.

Senza il Giappone non ci sarebbero state l’Art Nouveau e le Arts and Crafts e il mondo avrebbe perso una grandissima occasione di bellezza. Niente Christopher Dresser e Aubrey Beardsley, Alfons Mucha o Gustav Klimt. Mi vengono i brividi solo a pensare a cosa avremmo potuto perderci…

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Le figlie dei fiori: a Londra Liberty in Fashion

Non è un mistero che il mio passatempo preferito sia andare in giro per musei di Londra. Il Fashion and Textiles Museum nel quartiere di Bermondsey è una “scoperta” relativamente recente (vedi storia del costume da bagno) anche se ne conoscevo l’esistenza da anni, ed ora è uno dei miei preferiti, vicino com’è al Tamigi e alla Torre di Londra.  Come ho ho avuto occasione di dire in precedenza, Il FTM è l’unico museo in Gran Bretagna ad occuparsi dell’evoluzione della moda contemporanea e ancora per qualche giorno ospita una mostra super interessante dal titolo Liberty in Fashion.

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Liberty &. C. London, 2014. Photo by Paola Cacciari

In Italia Stile Liberty è sinonimo di Art Nouveau. Ma in realtà il nome deriva da quello della ditta omonima fondata nel 1875 da Arthur Lasenby Liberty (1843-1917) il figlio primogenito di un commerciante di stoffe di Chesham che con grande spirito di iniziativa ha cambiato il corso della storia del costume. Impiegato nei grandi magazzini in Regent Street di proprietà della Farmer & Rogers, Arthur Liberty ne era diventa in breve tempo il responsabile; ma quando la ditta lo rifiuta come socio allora il nostro eroe capisce che è giunto il momento di spiccare il volo. E nel 1875 crea Liberty & Co. un negozio specializzato in tessuti, ornamenti e oggetti d’arte importati dall’Oriente

La mania per l’arte e la cultura giapponese che aveva investito l’Europa nella seconda meta’ dell’XIX secolo in seguito alla Restaurazione Meiji del 1868, fa sì che il Giappone ponga fine al tradizionale isolamento, aprendosi i suoi porti al commercio con l’Occidente.  E, come spesso accade con le novità, il mondo diventa improvvisamente pazzo per tutto quanto proveniva dalla terra del Sol Levante e Liberty, lungimirante come al solito, da subito comincia a ricercare oggetti provenenti dall’estremo oriente per soddisfare la mania per il Giapponismo e l’Orientalismo in genere che aveva investito Londra e l’Inghilterra alla vigilia del nuovo secolo. La purezza delle linee dell’arte giapponese, la semplicità e il naturalismo del suo modellato avranno un’influenza determinate non solo sull’arte Britannica ed europea, ma anche sul costume femminile: non a caso Liberty diventa sinonimo di esotismo e indumenti come il Kimono, che sono alla base di vestaglie e abiti avvolgenti, diventano tipico del Liberty look.

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Liberty in Fashion, FashionTextiles Museum, London 2016 © Paola Cacciari

Questa possibilità non sfuggi ad Artur liberty che, quando aprì al mondo le porte del suo ‘bazar orientale’ in Regent Street, decise che non avrebbe seguito la moda esistente, ma ne avrebbe create di nuove. E lo fece non solo incoraggiando gli artisti e artigiani delle Arts and Crafts , ma anche i seguaci del nuovo stile Art Nouveau e dell’Estetismo.

Ma se tutti gli ggetti in vendita erano di alto valore artistico, Liberty divenne noto a livello internazionale per i suoi tessuti morbidi, ideali per la moda fluida favorita dall’Estetismo. Questo movimenti infatti, promuoveva abiti dalla linea fluida che celebravano la linea naturale del corpo femminile anziché costringerlo  nei corsetti e nelle imbottiture che caratterizzavano l’abbigliamento femminile degli anni Sessanta e Settanta dell’Ottocento e presto il nome ‘seta Liberty’ diventa sinonimo del materiale utilizzato da sarte e modiste per l’artistic dress, l’abito artistico prediletto dalle anticonvenzionali signore associate al movimento, indipendentemente dal fatto che provenisse da da Liberty o meno. L’assenza di decorazione applicate, nastri, piume (etc etc.) porta allo sviluppo del ricamo.

 Liberty in Fashion, FashionTextiles Museum, London 2016 © Paola Cacciari

Liberty in Fashion, FashionTextiles Museum, London 2016 © Paola Cacciari

La sua merce ebbe un successone tra gli artisti dell’epoca e personaggi come Oscar Wilde, Dante Gabriel Rossetti, Ellen Terry, James McNeill Whistler e Frederick Leighton furono tra i suoi primi clienti. Le vetrine del suo negozio, un vero e proprio arcobaleno di tessuti  stampati e divennero un’attrazione turistica. Non sorprende gli furono commissionati i costumi per il cast originale del Mikado di Gilbert e Sullivan.

Gli affari andavano così bene che, nel 1924, l’azienda si trasferisce nell’incantevole edificio Arts and Crafts di Great Marlborough Street, che è ancora la sua sede. Disegnato dagli architetto Edwin Thomas Hall, la costruzione, in stile mock Tudor come viene chiamato il revival dell’architettura Tudor ed Elisabettiana che caratterizza l’Epoca Edoardiana, incorpora anche le travi di due vecchie navi da guerra nella facciata la HMS Impregnable e la HMS Hindustan, il cui legno stagionato conferisce quell’alone di autenticità che fa sì che i turisti spesso scambino l’edificio per un vero superstite dell’epoca Tudor.

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Liberty & C. London, 2014. Photo by Paola Cacciar

I delicati motivi floreali che Liberty aveva cominciato a produrre già da prima della Prima Guerra Mondiale, diventano largamente popolari nel periodo tra le due guerre con il revival dell punto smock per i capi di abbigliamento femminili, un motivo decorativo utilizzato dai lavoratori agricoli nel XVIII e XIX secolo e che Liberty utilizza principalmente per l’abbigliamento dei bambini. confermo: da bambina avevo anch’io un abitino simile…)

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I romantici fiori Liberty raggiungono nuove punte di popolarità negli anni Cinquanta che porta alla creazione del Liberty Design Studio, mirato a creare il meglio in fatto di abbigliamento. Ma chi credeva che l’avvento della Swinging London fosse la fine per questi tessuti colorati si sbagliava di grosso, che le stampe Liberty sono riproposte con rinnovato vigore anche negli anni Sessanta e Settanta nelle collezioni di stilisti come Mary Quant e Jean Muir che li rivitalizzano, facendone simbolo di una moda giovane e libera, romantica e anticonvenzionale.

 Liberty in Fashion: 1970s. FashionTextiles Museum, London 2016 © Paola Cacciari

Liberty in Fashion: 1970s. FashionTextiles Museum, London 2016 © Paola Cacciari

Gran parte dei pezzi presenti alla mostra del Fashion and Textile Museum provengono dalla collezione privata di Mark e Cleo Butterfield, una coppia di coniugi appassionati di tessuti Liberty che negli anni Sessanta hanno setacciarono i mercatini di Portobello e Kensington alla ricerca di questi – ora preziosissimi – abiti e tessuti per la loro collezione. Vero e proprio paradiso per disegnatori, costumisti teatrali e cinematografici e oltre che da stilisti come Vivienne Westwood e da marchi come Nike, la loro collezione è stata usata di recente per creare gli abiti indossati da Eddie Redmayne nel film The Danish Girl.

Londra//fino al 28 Febbraio 2016

Liberty in Fashion

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London 2016 © Paola Cacciari

 

Com’è la vita in Giappone? Lo vorrei tanto sapere…

Oggi sono stata in Giappone. Beh, non proprio in Giappone. Ho lavorato nella sala dedicata all’arte giapponese, la Toshiba Gallery of Japanese Art. Inaugutrata ventinove anni fa, ha da poche settimane riaperto al pubblico dopo una chiusura durata sei mesi per rinnovamento. Con la sua carrellata di meravigliosi, quanto disparati, oggetti che vanno dalle spade dei Samuarai  alla cerimonia del Te, ai Manga e alle radio – la sala racconta la storia dell’arte e del design di questo enigmatico Paese dal VI secolo D.C. ai giorni nostri.Woman at Mirror from Edo Beauties by Kikukawa Eizan (early 19th century). Photograph: © Victoria and Albert Museum

Non l’avrei mai pensato, ma da quando, qualche anno fa, nella mia vita è entrata la mia collega giapponese di Tokio, mi è salita un’incredibile curiosità per questo incredibile paese. Ed ora quella del Giappone è una delle mie sale preferite nell’intero museo. Siamo diventate amiche, io e la mia collega. D’altra parte abbiamo la stessa età e lei come me è cresciuta con Heidi, Candy Candy e Il Grande Mazinga. Le chiedo se li conosce. Mi dice che li conosce e che si chiamano Manga. E mi sembra incredibile che nello stesso momento, in due punti diversi del pianeta due bambine di sette anni stavano guardando Goldrake. Potere della globalizzazione… Ma a parte Goldrake e Candy Candy, qualche film di guerra americano in cui i kamikaze giapponesi bombardavano Pearl Harbour e i Sette Samurai di Kurosawa che non ho mai guardato fino alla fine addormentandomi sempre prima (ok: chi lo ha fatto DAVVERO, guardare la fine di quel film??) il Giappone è sempre stato per me un universo sconosciuto.

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Samurai suit of armour, c1800. Victoria and Albert Museum, London

Un’universo che, ad essere onesti, non mi hai mai particolarmente incuriosito (Giappone= Panasonic, Honda, Fuji) innamorata come sono sempre stata del Sud America, io (Sud America=Inca, Machu Picchu, Ande). E contro tale mancanza di curiosità a nulla era servito neppure la lettura di quel capolavoro della letteratura di viaggio che è In Asia del meraviglioso Tiziano Terzani. Ma sto cercando di recuperare il tempo perduto perlopiú leggendo a tappeto tutto quello di Haruki Murakami che mi capita sotto mano, abbuffandomi di Sushi con la mia mica giapponese ad ogni possibile occasione. Mi incanta sentirla ordinare in quella sua lingua così dura ed espressiva, piena di inchini e piccole riverenze. Mi incanta vederla padroneggiare le bacchette come se fossero estensioni delle sue mani – io che non chiedo una forchetta per puro orgoglio. Come molti connazionali abituati come siamo ad una cucina tra le migliori al mondo, ho sempre avuto seri pregiudizi sul pesce crudo e ho dovuto attendere i miei primi quarant’anni per poter cambiare idea. Ti senti rigenerato, con ogni boccone ti senti più in salute, con lo Jing e lo Yang riequilibrati. Ti senti quasi più buono… Ma a parte il sapore, forse quello che mi piace del sushi è la sua bellezza, l’equilibrio di forme e colori, l’eleganza della sua semplicità. Ogni piatto è un piccolo capolavoro di armonia che si deve magiare con la dovuta reverenza. E quando avrò imparato ad usare bene i bastoncini, conto di farlo anch’io…

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Fortunatamente il rinnovamento della Toshiba Gallery non ha fatto scomparire dalle teche vecchie conoscenze come le armature da Samurai e le Katana, le elegantissime quanto letali lunghe spade ricurve dalle magnifiche impugnature e dalle lame così taglienti che (mi si dice) i restauratori sono stati addestrati nel combattimento da uno dei curatori del dipartimento del Sud est asiatico. Non mancano poi le bellissime scatole di legno laccate e i meravigliosi netsuke, le piccole sculture in legno o avorio che si usavano come contrappeso per i contenitori porta monete, porta tabacco, porta spezie che i giapponesi si portavano appesi alla cintura con una corda per evitare che scivolassero via, visto che i kimono non avevano le tasche. Queste piccole sculture mi hanno sempre affascinato, ma da quando ho letto il libro di Edmund de Waal Un’eredità di avorio e ambra desidero ardentemente possederne uno…

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Carved wood netsuke in the form of a curled rat, 1850-1900. Victoria and Albert Museum, London

Ma ci sono anche altre novità che raccontano l’evolversi storico e sociale di questo enigmatico Paese, dalle solite radio, aspirapolveri, calcolatrici all’immancabile Sony Walkman (anch’io ne avevo uno negli anni Ottanta, quando esser cool era davvero faticoso) ad una pentola per cuocere il riso rosa confetto di Hello Kitty.

Hello Kitty rice steamer, Japan, 2014 Photograph: Victoria and Albert Museum, London

Hello Kitty rice steamer, Japan, 2014 Photograph: Victoria and Albert Museum, London

Devo dire però che il mio preferito, per la sua bizzarra giapponesità, è un manichino che indossa uno dei nuovi outfit stile “Lolita”, un abito rosa e azzurro, tutto pizzi e volant del marchio Baby, The Stars Shine Bright che dal 1988 crea moda ispirata alla storia di Alice nel Paese delle meraviglie. Il mio primo incontro con questa corrente di abbigliamento è avvenuta nel 2011 quando, proprio nella stessa sala del Giappone il dipartimento del Sud Est asiatico aveva allestito una piccola mostra dal titolo Kitty and the Bulldog che esplorava i collegamenti tra la street style inglese e quella giapponese. Ma attenzione! Che se nel mondo occidentale il termine Lolita ha indibbie connotazioni sessuali  per via del (bellissimo) libro di Vladimir Nabokov, nella cultura giapponese essere kawaii ha davvero poco a che fare con il fascino e il sex appeal e molto invece con l’essere carina e modesta – una reazione alla sessualizzazione delle donne nella cultura giapponese. Per questo chiamarla moda è inesatto, che essere una Lolita non è solo un modo di vestire, ma una vera e propria filosofia di vita che comporta assomigliare ad una bambola di porcellana vittoriana o rococò, con cerchietti con il fiocco, zainetti a forma di animaletto, spillette, ombrellini di pizzo, baschi, ogni genere di gadget alla saccarina e con capelli sono spesso acconciati in boccoli o codini.

Sweet Lolita outfit, Japan, 21st century. Photograph: Victoria and Albert Museum, London

Sweet Lolita outfit, Japan, 21st century. Photograph: Victoria and Albert Museum, London

Ma la mia amica mi racconta che la metropolitana di Tokio impiega personale specializzato per spingere ben benino i pendolari all’interno dei vagoni (‘Studenti…’ mi spiega allegra, fosse la cosa più normale del mondo) per evitare ritardi alle chiusure delle porte di un sistema di trasporto tra i più efficienti del mondo, la guardo con gli occhi sgranati, che a Bologna non c’è neppure la metropolitana, figuriamoci i pigiatori-di-persone. Aurea mediocritas diceva Orazio. Chi troppo chi troppo poco (sto pensando all’Italia…). E comincio a capire perché anche la mia collega se n’è andata. Che a volte anche troppa efficienza può dare ai nervi…

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Train pusher at the Yamanote line, Tokio

 


Il giro del mondo con la Pop Art

Quando penso alla Pop Art penso ai barattoli di zuppa Campbell di Andy Warhol, ai quadri-fumetto di Roy Liechtenstein, alle sculture giganti di Claes Oldenburg, ai collage Richard Hamilton. Ma se questi sono certamente i rappresentanti più famosi di questo colorato movimento artistico, non sono certamente gli unici, così come come l’America e all’Inghilterra non sono state le uniche nazioni in cui questo movimento è fiorito e si è sviluppato. Ci voleva la Tate per organizzare una mostra su quella parte della Pop Art che è sfuggita (anche se sarebbe stato meglio ire lasciata fuori…) ai manuali di storia dell’arte.

Certo, per molti la Pop Art resterà per sempre un indissolubilmente legata agli Stati Uniti. Ma per la sottoscritta, la globalità di questo fenomeno così come la racconta questa mostra, è una vera e propria rivelazione. Chi l’avrebbe detto… Dal Perù al Vietnam, dalla Francia alla Romania, da Israele all’Argentina, la Pop Art affronta temi di propaganda e protesta e condanna in modo rumoroso ed efficace problemi globali come la guerra, il consumismo o la condizione femminile.

Non conosco praticamente nessuno degli artisti in mostra (alzi la mano chi conosce il polacco Jerzy Ryszard “Jurry” Zielinski – nessuno??), e questo é proprio il punto: allontanarsi dalla storia trita e ritrita che vede il movimento nascere a Londra negli anni Cinquanta grazie ad artisti come Richard Hamilton (un altro assente di rilievo dallo show della Tate), prima di esplodere a New York nei primi anni Sessanta. Ma se non ho mai sentito parlare di Zielinski, almeno ho sentito parlare dei nostri Mario Schifano e Sergio Lombardo (di cui ammetto però di non aver mai approfondito la conoscenza) che qui rappresentano il Bel Paese. E che come molti degli artisti di questa mostra, hanno adattato il linguaggio Pop ai propri fini politici.

 John F Kennedy and Nikita Krusciov (1962) by Sergio Lombardo. Photograph: Matt Dunham/AP

John F Kennedy and Nikita Krusciov (1962) by Sergio Lombardo. Photograph: Matt Dunham/AP

Ovunque ci si giri si trova rabbiosa insoddisfazione – che si tratti dell’imperialismo americano, della guerra del Vietnam, della bomba atomica, del capitalismo. Il nostra nuovo leader laburista Jeremy Corbyn sarebbe al settimo cielo. Ma seppure colorate e divertenti, la qualità di molte delle opere in mostra semplicemente non è un gran che, e questo da solo mi pare un motivo piú che valido per relegare molti degli artisti qui presenti al dimenticatoio…

Equipo Realidad, Divine Proportion 1967 (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid)

Equipo Realidad, Divine Proportion 1967 (Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofia, Madrid)

Ma ci sono eccezioni, come il caleidoscopico Doll Festival del giapponese Ushio Shinohara, dipinto nel 1966 più colorato e di una canzone dei Beatles (Lucy in the Sky with diamonds salata alla mente, che infatti fu scritta nel 1967…).

Ushio Shinohara, Doll Festival 1966 (Download high resolution image 2.02 MB) Doll Festival 1966 Fluorescent paint, oil, plastic board on plywood Hyogo Prefectural Museum of Art (Yamamura Collection) © Ushio and Noriko Shinohara

Ushio Shinohara, Doll Festival 1966 (Download high resolution image 2.02 MB)
Doll Festival 1966 Hyogo Prefectural Museum of Art (Yamamura Collection)
© Ushio and Noriko Shinohara

A parte la politica, l’altro, tema che ha forse più successo è il sesso – in particolare, il modo in cui le donne erano (sono, ahime, ancora oggi) presentate nei media. Paradossalmente, in passato la Pop Art è stata occasionalmente criticata per essere sessista. Questo almeno fino a quando, di recente, è stato riscoperto il lavoro di un gruppo di artiste Pop Art completamente dimenticate dalla storia dell’arte. Guardandole adesso, certe opere che vogliono condannare la condizione della donna nella società dell’epoca sono davvero all’acqua di rose che con quello che si trova oggi in Internet una donna che mangia una banana non farebbe arrossire neppure un neonato, ma quarant’anni fa dovevano certamente apparire sovversive davvero e la mostra della Tate offre un esempio della loro arte. Basta guardare l’allegra ventata di femminismo dell’austriaca Kiki Kogelnik (1935-1997), di cui non avevo mai sentito parlare prima e che affronta temi femminili con umorismo e ironia, qualità pressoché sconosciute alla rabbiosa estetica femminista degli anni Sessanta e Settanta.

Friends, 1971, by Kiki Kogelnik is part of the World Goes Pop exhibition at Tate Modern. Photograph: Guy Bell/Rex Shutterstock

Friends, 1971, by Kiki Kogelnik is part of the World Goes Pop exhibition at Tate Modern. Photograph: Guy Bell/Rex Shutterstock

Per i puristi, questa mostra sarà certamente troppo. Innanzi tutto troppo vasta, con le sue 160 opere; e cronologicamente e geograficamente troppo estesa, in quanto allarga la già elastica definizione della Pop Art al punto di rottura. Che, diciamocelo, se un po’ di revisionismo non è sempre una brutta cosa, omettere i padri fondatori del movimento è un vero e proprio sacrilegio, che senza Warhol & C. non sarebbe esistito quel linguaggio visivo che questi artisti di periferia hanno adottato cosi velocemente e con tanto entusiasmo (ma senza possederlo mai fino in fondo) per dire cose che altrimenti non sarebbero state notate.

Nel complesso, però, questa colorata mostra regala in tutto il suo splendore al neon, una divertente e istruttiva istantanea dello stato della controcultura mondiale degli anni Sessanta e Settanta. È una storia vecchia raccontata in modo diverso. E già di per sé questo merita rispetto…

Londra// fino al 24 Gennaio 2016.

Un’eredità di avorio e ambra (The Hare with Amber Eyes: A Hidden Inheritance)

Quando nel settembre del 2009 le nuove gallerie della ceramica del Victoria and Albert Museum riaprirono i battenti dopo cinque lunghi anni, mi trovai ad ammirare con mio grande stupore un’incredibile installazione di ceramiche translucenti amorevolente sistemate sul rosso bordo del cornicione interno del vertiginoso cupolone vittoriano del museo. L’artista era un tale Edmund De Waal di cui non avevo mai sentito parlare, nonostante oltre ad essere curatore, storico dell’arte, professore di ceramica alla University of Westminster  (etc etc etc) pareva fosse anche uno dei più famosi ceramisti inglesi.
Edmund de Waal

Edmund de Waal

Poi nel 2010 De Waal ha scritto un libro, The Hare with Amber Eyes: A Hidden Inheritance (da noi tradotto con il titolo di ‘Un’eredità di avorio e ambra‘) che nel giro di poco tempo è diventato un caso letterario (superando le 200.000 copie in soli otto mesi) oltre ad incrementare non poco l’influsso al museo di visitatori venuti per vendere la sua installazione (e i suoi netsuke, che non sono al museo, ma a casa sua). Stanca di fare la figura dell’ignorante davanti ad orde di signore adoranti (‘Ma come lei lavora qui e NON ha letto il LIBRO??’), mi sono decisa. E davvero quello di De Waal è un libro magico, atmosferico, quasi tattile, in cui l’artista applica alla ricerca della parola singola la stessa attenzione messa nelle sue meravigliose ceramiche.

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La storia è semplice: una collezione di 264 netsuke giapponesi in legno e avorio. In questo consiste l’eredità lasciata al nostro ceramista inglese dal prozio Iggie. Quest’ultimo appartenente al ramo austriaco della famiglia e scappato in America per sfuggire ad un destino che lo voleva banchiere, si trasferisce a Tokio dopo alla fine della Seconda Guerra Mondiale e qui rimanei fino alla fine della sua vita. Da Odessa alla Parigi di Proust, Zola e degli impressionisti alla Vienna d’inizio secolo occupata dai nazisti, da Tokio all’Inghilterra, Edmund De Wall traccia il viaggio dei netsuke attraverso tre generazioni della famiglia Ephrussi, banchieri ebrei ricchi e famosi quanto i Rothschild. La sua straordinaria famiglia. Da leggere subito (se non l’avete già fatto…).

Percorsi. Tutte le mostre fotografiche in corso a Londra

Nonostante il clima economico incerto, il dibattito sull’eurozona e i bisticci della classe politica abbiano gettato un alone di cupa austerità sulla Gran Bretagna, la stagione artistica di Londra parte alla grande. Protagonista la fotografia in tutte le sue forme, con alcuni tra i più grandi musei e gallerie che ospitano importanti retrospettive e rassegne dedicate a questo mezzo.

Ori Gersht Blow-Up: Untitled 5, 2007

Ori Gersht Blow-Up: Untitled 5, 2007

Da quando fu inventata, poco meno di due secoli fa, la fotografia non ha mai smesso di far discutere. È arte o è solo uno strumento con cui documentare la realtà? La risposta della National Gallery a questo eterno dilemma è Seduced by Art: Photography Past and Present, la prima mostra ospitata nella storica galleria britannica che offre un esame approfondito del dialogo che da sempre è esistito (e continua ad esistere) tra l’arte e la fotografia d’arte. E se fotografi vittoriani come Julia Margaret Cameron e Roger Fenton imitavano la pittura quando, agli albori, esploravano le possibilità artistiche di questo nuovo mezzo, artisti contemporanei come Thomas Struth e Tacita Dean non sono da meno nel creare fotografie persino più “artistiche” dei dipinti a cui sono ispirate. Basta guardare il magnifico vaso di fiori di Ori Gersht, che si rifà all’opera di Henri Fantin-Latour: a differenza del francese, Gersht accelera la scomparsa di questa natura morta congelando la composizione floreale prima di farla esplodere, creando così qualcosa allo stesso tempo di bello e terribile.
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Se invece preferite il fotogiornalismo d’azione, quello che coglie “il momento decisivo” e racconta i grandi eventi del mondo con immediatezza e oggettività, allora non perdetevi Everything Was MovingPhotography from the 60s and 70s  al Barbican, una straordinaria rassegna che esplora due decadi – gli anni Sessanta e Settanta – che hanno visto la società cambiare in modo drammatico. Sono gli anni di Woodstock, dell’Apartheid, delle marce per i diritti civili in America, della rivoluzione culturale in Cina, del Vietnam e del ‘68. È la storia nel suo farsi, raccontata da dodici fotografi che hanno vissuto dall’interno le rivoluzioni politiche e socio-culturali di quegli anni tumultuosi. E accanto a leggende come David Goldblatt, William EgglestonBruce Davidson, ce ne sono altri meno conosciuti ma non meno significativi, come il sudafricano Ernest Cole i cui documenti fotografici delle condizioni di vita dei neri (lui stesso era di colore) durante gli anni dell’Apartheid costituiscono uno dei documenti più potenti dell’intera mostra.

Paola Cacciari © 2012
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Yoko Ono: To the Light

“Auguro amore e felicità per tutti.” E ancora: “Vorrei aver viaggiato di più.” Ma anche un prosaico: “Spero che la Spagna vinca gli Europei del 2012”. Sono solo alcune delle migliaia di bigliettini appesi ai rami di “Wish Tree for London”. È l’apertura della grande mostra che la Serpentine Gallery dedica, fino al 9 settembre, all’artista giapponese.

Yoko Ono – Fly – 1970 – still da film

Nata a Tokio nel 1933, la giovane Yoko inizia una nuova vita quando, dopo la Guerra, la sua famiglia si trasferisce a New York. Qui entra in contatto con l’avanguardia artistica che ruota attorno al compositore John Cage e con Fluxus, il movimento artistico formato da artisti, musicisti, architetti, compositori e designer fondato da George Maciunas all’inizio degli Anni Sessanta. Fluxus sostiene che l’arte è effimera e anonima e non si può identificare con istituzioni tradizionali come musei e gallerie e con concetti prestabiliti come quello di stile.
Affascinante quanto improbabile, l’idea di affidare all’osservatore il controllo dell’opera d’arte seduce la Ono, che la fa sua. E basta aggirarsi per gli spazi della Serpentine per realizzare quanto la sua arte sia immaginazione. Helmets (Pieces of Sky) è un’installazione fatta di elmetti capovolti sospesi dal soffitto. In ogni elmo i pezzi blu di un puzzle che, se completato, restituisce l’immagine del cielo. Ogni elmo è il volto di un soldato ucciso – gli occhi spalancati, il viso rivolto verso l’alto. “War is Over”, dichiara il poster sulla parete vicina. “If You Want It”, sussurra la voce di perenne speranza della Ono nella frase sottostante, scritta a caratteri così piccoli da essere a malapena leggibili. Per lei, sopravvissuta per miracolo al bombardamento della capitale giapponese durante la Seconda guerra mondiale, la pace è un dovere morale. Non a caso dagli Anni Sessanta è attivamente impegnata in favore del pacifismo e del rispetto dei diritti umani.

Yoko Ono – To the Light – veduta della mostra presso la Serpentine Gallery, Londra 2012 – photo Jerry Hardman-Jones

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Yayoi Kusama a Tate Modern

Nata nel 1929 a Masumoto in una famiglia ricca e tradizionalista dell’alta borghesia che non approva la sua ambizione di diventare un’artista, Yayoi Kusama è la più giovane di quattro fratelli. La sua passione creativa si sviluppa sin da bambina e non è interrotta neppure dalla catastrofe della Seconda Guerra Mondiale; catastrofe che tuttavia appare con forza nelle sue opere del periodo –nei materiali di fortuna e nelle immagini apocalittiche. Ma lo stile dell’arte Nihonga, fortemente legato al nazionalismo giapponese, che Kusama aveva inizato a studiare, viene presto abbandonato per le avanguardie artistiche europpe ed americane.

Sentendo la sua fragile emotività schiacciata dal conservatorismo di una società che non incoraggiava l’espressione individuale, soprattutto se si trattava di donne, Kusama decide di andarsene. “Per un’arte come la mia –un’arte che combatte al confine tra vita e morte, che mette in discussione cosa siamo e cosa significa vivere e morire- il Giappone era troppo piccolo, troppo servile, troppo feudale, troppo sdegnoso delle donne. La mia arte aveva bisogno di una libertà senza limiti e di un mondo più vasto.”

Nel 1957 approda negli Stati Uniti, a New York, attirata dal potenziale sperimentale di una scena artistica in tumulto. Gli inizi sono difficili e come numerosi altri artisti del periodo Kusama fatica a mantenersi con la sua arte. Ma in America trova lo spazio mentale di cui ha bisogno e, nel 1959, in risposta agli stimuli dellespressionismo astratto, crea i suoi primi lavori della serie Infinity Net, le grandi tele ricoperte da una serie di piccole pennellate che sembrano ripetersi all’infinito e che anticipaneo, nella loro seriale ripetitività, i traguardi dell’arte concettuale L’America degli anni Sessanta, con la Hippie Culture e il suo libero uso di droghe e del sesso,  sfida apertamente la moralità sociale appare particolarmente liberatoria e Kusama vi si butta a capofitto con la creazione, a partire dal 1967, di una serie di Happenings, performance provocatorie  in cui dipinge a pois i corpi dei partecipanti.

Nel 1973 decide che è tempo di tornare in Giappone. Ma il re-inserimento nella società nipponica è più difficile del previsto. La sua arte non è apprezzata dal pubblico conservatore di Tokyo e per sopravvivere si reinventa come mercante d’arte per continuare a produrre le sue opere; ma la sua attività è di breve durata con e il suo business fallisce dopo soli due anni. La sua salute debole e la sua fragile emotività hanno la meglio e nel 1977 entra volontariamente nell’ospedale psichiatrico, che è a tutt’oggi la sua casa e dove, a 82 anni, in questa calma protetta, continua a dare libero sfogo ad una vena creativa che sembra inesauribile.

Una delle ossessioni di Kusama è sempre satata la rappresentazione dello spazio infinito, un tema questo che l’artista ha più volte esplorato nelle Infinity Mirror Rooms, grandi installazioni in cui lo spettatore può muoversi, camminare e perdersi nella contemplazione di se stesso; questa creata appositamente per lo show di Tate Modern, è la più grande.

Portrait of Kusama kindly provided by Happy Famous Artists. Text and other photographs by Patrick Nguyen.
 
fino al 5 Giugno 2012
www.tate.org.uk
 

Yohji Yamamoto al Victoria and Albert Museum

È una delle qualità degli abiti di Yohji Yamamoto (Tokyo, 1943) quella di piacere un po’ a tutti, anche a coloro che di solito della moda non sono i più devoti seguaci.
Sono abiti dalla linea sobria, rilassata. Abiti fatti per sfidare il tempo. ‘Il tessuto per me è tutto’, afferma Yamamoto, semplicemente “Yohji” per i giapponesi e per gli addetti ai lavori. E le stesse donne che non si farebbero vedere morte in un abito della stagione passata, si vantano felicemente di indossare lo stesso Yamamoto da vent’anni. 

Ma non si tratta solo solo i tessuti. Ciò che brilla nelle sale del Victoria and Albert Museum, che ospita la prima retrospettiva dedicata al grande stilista, è il suo intero brand, il suo contegno, la sua dedizione, l’innegabile talento di questo personaggio che, con Kenzo ed Issey Miyake, appartiene al  pantheon dei grandi della moda giapponese.

Perchè è proprio la qualità strutturale dei suoi abiti a regnare sovrana tanto nello spazio bianco accecante principale della mostra – quasi un set fotografico- quanto nei sei display-satelliti che adornano con la loro misteriosa presenza altrettante aree del museo selezionate con grande cura da Masao Nihei, che da anni è di Yamamoto è il più stretto collaboratore.

fino al 10 Luglio
Victoria and Albert Museum

La grande moda di Yohji Yamamoto Victoria and Albert Museum

Enigmatico, iconico, evocativo, crea abiti dalle linee assimetriche, oversize, volutamente incompiuti. La semplicità, almeno in apparenza, e’ una delle caratteristiche degli abiti di Yohji Yamamoto (Tokyo, 1943). Come quella di piacere un po’ a tutti, anche a coloro che di solito non sono interessati alla moda. I suoi sono abiti dalla linea sobria, rilassata. Abiti fatti per sfidare il tempo. ‘Il tessuto per me è tutto’, afferma Yamamoto, semplicemente “Yohji” per i giapponesi e per gli addetti ai lavori. E le stesse persone che non si sognerebbero di indossare in un abito della stagione passata, si vantano allegramente di indossare lo stesso Yamamoto da vent’anni. Ma non  sono solo i tessuti di Yohji a brillare nelle sale del V&A, ma il suo intero brand, il contegno, la dedizione, l’innegabile talento di questo personaggio che, con Kenzo ed Issey Miyake, appartiene al  pantheon dei grandi della moda giapponese.

Yohji Yamamoto at the Victoria and Albert Museum, London 2011.

Yohji Yamamoto at the Victoria and Albert Museum, London 2011.

Nato a Tokio nel 1943, Yohji Yamamoto si laurea in legge alla università di Keio nel 1966, prima di dedicarsi agli studi di design della moda nel 1972. È del 1977 la sua prima linea di pret-a-porter, prima del successivo debutto sulle passerelle di Parigi nel 1981 con abiti che sembrano troppo grandi o incompleti che giocano sull’idea del genere o transgenere e sull’ironia. È la consacrazione.

In anni più recenti Yamamoto ha avviato diverse collaborazioni con marchi come Adidas (una linea di abbigliamento sportivo chiamata Y-3), Hermès, Mikimoto e persino l’italianissima Mandarina Duck, che hanno aumentato il bacino di utenza del brand giapponese, permettendogli di aprire nuovi negozi nel mondo, e la prima boutique Y-3 a New York.

Yohji Yamamoto at the Victoria and Albert Museum, London 2011.

Yohji Yamamoto at the Victoria and Albert Museum, London 2011.

Le collaborazioni con grandi artisti da Elton John, ai Placebo, da Takeshi Kitano (per il quale ha realizzato i costumi per i film Brother, Dolls e Zatoichi) a Pina Bausch hanno permesso allo stilista di mostrare differenti lati della sua estetica e della sua creatività. Fra gli entusiasti di Yamamoto si possono citare Herbie Hancock, Chris Lowe, Pete Wentz, Steve McQueen, la stilista Donna Karan, e l’attore Justin Theroux. Yamamoto ha anche disegnato i costumi di scena per i concerti di Jean Michel Jarre.

Yohji Yamamoto at the Victoria and Albert Museum, London 2011

Yohji Yamamoto at the Victoria and Albert Museum, London 2011

E se le scelte dei curatori possono sembrare azzardate se non caotiche, questo è dovuto anche al rifiuto di Yamamoto di scendere a compromessi con un percorso espositivo stabilito e di piegarsi a stereotipi di genere. Perchè è proprio la qualità strutturale dei suoi abiti a regnare sovrana tanto nello spazio bianco accecante della mostra (così bianca e pura da ricordare un set fotografico) quanto nei sei display-satelliti che punteggiano aree diverse del museo attentamente selezionate da Masao Nihei, che di Yamamoto è il più stretto collaboratore nonché disegnatore e scenografo.

 

Londra//fino al 10 Luglio 2011.

Yohji Yamamoto

Victoria and Albert Museum, Cromwell Road, London, SW7 2RL, UK