Prima la Musica poi le Parole di Riccardo Muti

Al museo continuano i ferventi preparativi per il la prossima apertura del grande evento dell’anno The Pink Floyd Exhibition: Their Mortal Remains che aprirà tra poco più di due settimane ed è già praticamente esaurita. Ma sebbene io sia molto contenta che adoro i Pink Floyd e non vedo l’ora di vedere la mostra, da qualche giorno ho la Terza Sinfonia di Beethoven nella testa. Al museo vado avanti e indietro per le sale come un pesce rosso nella boccia e rispondo alle domande varie ed eventuali del pubblico mentre l’Eroica mi esplode nel cervello. Non che mi disturbi, sia chiaro.

Sono in questo stato da quando ho finito di leggere la biografia di Riccardo Muti comprata durante la mia ultima permanenza a Bologna. Si chiama Prima la musica poi le parole. Un bel libro. E mi ha fatto ripensare a quella sera di Aprile 2010 quando io il Maestro l’ho visto in carne ed ossa dirigere alla Royal Festival Hall l’orchestra Philarmonia di Londra in una serata di tutto Beethoven. Non avevo mai avuto la fortuna di vederlo all’opera Muti, che quand’è venuto anni fa a Bologna preferivo ancora Bono.

Ricordo la mia trepidazione e lo sguardo divertito della mia dolce metà, quando l’ho visto entrare sul palco e prendere posto sulla pedana, altero, elegante e meno alto di quanto pensassi. Ricordo il silenzio totale e Muti che con gli occhi socchiusi, ha alzato una mano. Ricordo come quella mano ha dato inizio al ‘miracolo’. Perché per me che alle medie non ho mai imparato neppure a suonare il flauto, ogni concerto di musica classica continua ad essere un miracolo di perfezione e di magia. Mi perdo nella musica, nei volti degli orchestrali, nei movimenti sincronizzati degli archi che si alzano e si abbassano come un corpo che respira. Mi perdo nel volto del direttore d’orchestra e nei gesti delle sue mani, delle sue braccia quale naturale estensione della mente. Ogni concerto sono due ore di pura magia. E ciò che importa, dice Muti,

“non è capire la musica da intenditore o melomane, ma recepirne un messaggio interiore, le emozioni che essa comunica”. 

E per questo serve solo abbandonarsi ad essa e farsi portare lontano.

 Riccardo Muti. Photograph: Reuters

Riccardo Muti. Photograph: Reuters

 

I ritratti di Picasso @National Portrait Gallery

A pochi metri da quella di Caravaggio, c’è la mostra dedicate da un altro genio della pittura: Pablo Picasso (1881- 1973). Nonostane non sia uno dei miei artisti preferiti, è difficile entrare nelle sale di quel tempio del ritratto che è la National Portrait Gallery senza soccombere davanti al genio del catalano. Anzi, è decisamente impossibile anche solo varcare la soglia della mostra ospitata dalla galleria londinese senza sentirsi vagamente sopraffatti da tanta abbondanza pittorica, che per amor del catalano la NPG ha sacrificato parte della sua collezione permanente, letteralmente rimuovendola dalle pareti per fare posto alle circa ottanta opere di Picasso.

Negli ultimi anni ci sono state diverse mostre dedicate a Picasso da quella molto discussa alla National Gallery del 2009 che esplorava il rapporto tra Picasso e i maestri del passato (ma che e’ stata vista come un ovvio tentativo di allestire un blockbuster che avrebbe fatto accorre le folle sconfinando nel territorio della Tate la cui collezione parte dal 1900) ad una preziosa quanto gratuita mostra delle stampe commissionate dal gallerista ed editore Ambroise Vollard al British Museum nel 2012.

Questa volta si tratta  di ritratti, e visto che Picasso non lavorava su commissione, i soggetti sono perlopiù gli amici della cerchia di Barcellona, Parigi e Antibes e le numerose mogli, amanti e muse che dipinge in tutti i modi possibili e con tutte le possibili tecniche. Inutile dire che la maggior parte dei personaggi dei suoi quadri sono donne. Donne che amava, consumava ed abusava con la stessa sensuale avidità, e che poi gettava via quando un’opzione migliore appariva all’orizzonte, come racconta con crudele chiarezza la sua biografia che occupa una parete della mostra (e che ho letto con aria sbalordita, che non avevo mai realizzato in pieno la portata della sua misoginia). Non era una persona semplice Picasso – basso e tarchiato com’era, non era certamente un Adone, ma era carismatico e famoso e le giovani donne erano attirate da lui come le falene dalla luce. Il fatto che le trattasse come uno zerbino non sembrava importare a nessuna di loro, a parte Françoise Gilot, ma a questo arriveremo dopo.

Portrait of Olga Picasso by Pablo Picasso, 1923. Photograph Succession PicassoDACS London

Portrait of Olga Picasso by Pablo Picasso, 1923. Photograph Succession PicassoDACS London

Certo il numero di mogli, amanti e muse è tale da generare il panico nel più esperto dei biografi (e fare salire alle stelle la mia indignazione). Ol’ga Chochlova (1891-1955) fu la prima moglie. Ballerina di origine ucraina della troupe dei Balletti Russi di Sergej Djagilev, sposò Picasso nel 1918 e passarono gran parte del loro tempo partecipando a eventi e feste nei saloni aristocratici. Dall’unione nacque un figlio, Pablo. Quando Ol’ga scoprì i tradimenti del pittore impazzì, pedinando lui e le sue amanti finché non morì in totale solitudine. Questo non sembra aver fermato lo spagnolo che nel 1927 iniziare una lunga relazione con la diciassettenne Marie-Thérèse Walter (1909-1977) con la quale ebbe una figlia, Maya, ma che non sposò mai (in quanto ancora sposato con Ol’ga) e che morì suicida quattro anni dopo la morte di Picasso. La fotografa Dora Maar non ebbe una sorte migliore. Conosciutisi nel 1935 sul set del film Le crime de Monsieur Lange di Jean Renoir quando lei aveva 28 anni e lui 54, i due si imbarcarono in una relazione che durò quasi nove anni. Picasso, che evidentemente non sopportava di non essere la primadonna assoluta nel loro rapporto convince Dora, già apprezzata autrice di collage e fotomontaggi surrealisti, ad abbandonare la fotografia per la pittura (un campo in cui l’artista sapeva che lei non poteva competere con lui) solo poi per abbandonarla quando nel 1944, Picasso incontra la giovane artista francese, Françoise Gilot.  Conosciuta dopo la liberazione di Parigi, Gilot diventa la compagna e musa di Picasso fino al 1953 quando, stanca delle sue infedeltà, decide di lasciarlo – unica tra tutte a farlo. Ma Picasso, nonostante fosse ormai settantenne, non rimase solo per molto. Nel 1953 conosce Jacqueline Roque che all’epoca aveva 26 anni mentre lui di anni ne aveva 72; i due si sposarono nel 1961 e forse fu la donna che ritrasse più di tutte. Ognuna di loro coincide con un particolare periodo della sua vita  e della sua carriera, e  ne ha influenzato  lo stile e i dipinti, inspirando passione, ansia, rabbia, gelosia.

E se la maggioranza sono nello stile cubista per cui è meglio noto, devo dire che per me i ritratti più belli sono quelli più figurativi del periodo Blu o Rosa che precedono il Cubismo. O le caricature ad inchiostro di Guillaume Apollinaire, Santiago Rusiñol i Prats, Carlos Casagemas e degli altri amici de Els Quatre Gats («ai quattro gatti»), il locale aperto nel 1897 in cui si riuniva la scapigliata bohème barcellonese, o di scrittori e musicisti che incontra per via, come Erik Satie con cui aveva condiviso una fase del percorso dei Balletti Russi, quando nel 1917 aveva disegnato costumi e scene per il balletto Parade di Jean Cocteau e con Igor Stravinsky, con il quale aveva collaborato nel 1920 in Pulcinella, altro balletto commissionato da Diaghilev e coreografato dal danzatore Léonide Massine per cui Picasso crea ancora una volta costumi e scene.

 

Portrait of Igor Stravinsky, c. 1920

Portrait of Igor Stravinsky, c. 1920

E questo è il motivo per cui amo i ritratti: non si tratta mai solo di semplice pittura su tela (o qualunque tecnica sia stata usata), ma della storia dietro la persona che viene ritratta, il perché, il quando, il come. E se non sono uscita dalla mostra con un’idea diversa del Picasso-artista (che non sia uno dei miei prferiti non significa che non mi piaccia e che non sia comunque un piacere aggirarsi tra stanze piene dei suoi quadri) certamente penso molto meno di lui come persona.

 

Londra//fino al 5 Febbraio 2017 @National Portrait Gallery

Picasso Portraits

npg.org.uk

L’importanza della passione: Ezio Bosso

Se non lavorassi al museo mi piacerebbe lavorare in teatro. Anzi, nel più bel teatro di Londra: la Royal Opera House. E non solo perché gli usher hanno una bella uniforme (che se voi come me foste costretti per contratto a trascorrere i tre quarti del vostro tempo indossando un uniforme allora capireste il mio interesse per quelle degli altri), ma perché è un edificio bellissimo e da quando vivo a Londra e ho scoperto che per il prezzo di un biglietto da cinema o pco più posso andare all’opera e al balletto, vado ogni volta che posso. E finisce che scopro cose nuove. Come qualche sera fa, per esempio quando ho visto un programma misto dal titolo Obsidian Tear/The Invitation/Within the Golden Hour, tre balletti di un atto ad opera rispettivamente dei coreografi Wayne McGregor, Sir Kenneth MacMillan (sì, quello di Romeo e Giulietta con le musiche di Prokofiev), e Christopher Wheeldon. Ed è stato quest’ultimo quello che mi ha strappato il cuore.

ezio-bosso

Se il balletto è musica fatta immagine, allora questo Within The Golden Hour creato nel 2008 dal coreografo del Royal Ballet Christopher Wheeldon per il San Francisco Ballet è un  inno alla bellezza del movimento, un piccolo gioiello di astrazione neoclassica. Ma per me non sarebbe stata la stessa cosa senza la meravigliosa musica del compositore  Ezio Bosso. Non mi interesso molto di musica contemporanea e a parte quel mito di Ennio Morricone e quel ricciolone di Giovanni Allevi non conosco molti altri compositori contemporanei di spicco. Così l’ho cercato su Google e oltre ad un CV da far paura, ho scoperto che Ezio è affetto da Sclerosi Multipla (SM), una malattia autoimmune che gli è stata diagnosticata nel 2011. Inutile dire che la cosa mi ha gelato il sangue anche solo per il fatto che mia madre se n’è andata da questo mondo con una malattia neurologica autoimmune, e so quanto le malattie di questo tipo siano terribili per chi ne è affetto e per i famigliari.

Tra i tanti video che ho trovato su Internet, c’è quello della sua performance al Festival di San Remo di quest’anno e mi ha commosso profondamente. Ma non perché Ezio è sulla sedia a rotelle, al contrario. No, la mia era pura ammirazione. Così come la mia ammirazione per Beethoven cresce ogni volta che ascolto il Chiaro di Luna e non riesco a capacitarmi del fatto che quando l’ha composto il musicista era completamente sordo. E così, mentre guardavo le mani di Ezio Bosso – di questa persona di cui fino a ieri non conoscevo l’esistenza e la cui bellissima musica The Sky seen from the Moon per  Whitin The Golden Hour mi ha toccato il cuore così profondamente qualche sera prima a teatro – accarezzare delicatamente i tasti del pianoforte con un sorriso pieno di pura gioia stampato sulla faccia, ho avuto ancora una volta la conferma che le passioni, quelle vere, saranno sempre un inno alla bellezza della vita, anche quando è un po’ bastarda.

                                   San Francisco Ballet in “Within the Golden Hour”

La Bohème alla Royal Albert Hall

Dai Duran Duran agli U2. Da The Clash a The Doors passando per Metallica e Gun’s n’ Roses. Senza dimenticare David Bowie e Brian Ferry e i Queen: la musica  è  sempre stata la colonna sonora della mia vita. Ma c’era anche un’altra passione, una piu’ segreta per l’opera, e per Giacomo Puccini in particolare. Da quando, a sedici anni ho visto Camera con Vista, il magnifico film diretto da James Ivory tratto dal libro omonimo di E. M. Forster) e la mia vita non è più stata la stessa. Tutto in quel film era bellezza: Firenze, la campagna inglese, i costumi dell’epoca edoardiana. Ma era soprattutto quella musica stupenda che mi faceva venire la pelle d’oca (mentre Julian Sands nei panni del “fusto” in abiti edoardiani faceva il resto…).
Certo,  a sedici anni amare l’opera non è cool, e mi vergognavo pure un po’ (cosa avrebbero pensato di me le mie compagne di classe, tutte prese  dal  synthpop e dai vestiti immacolati dei gruppi New Romantic come Duran Duran o Spandau Ballet o dal post-punk di The Cure e Siouxsie and the Banshees??), ma da allora O mio babbino caro dal Gianni Schicchi è una delle mie arie preferite. Tanto che ho consumato il CD con le più belle opere di Puccini a forza di ascoltarlo; quando poi, due anni fa ho avuto la fortuna di sentire Angela Gheorgiu cantarla (e l’ha fatto in un modo sublime) ho pianto senza ritegno…
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Royal Albert Hall. London, 2014 ©Paola Cacciari

E da brava pucciniana, non importa che io avessi già visto La Bohème due volte (tre con questa): la produzione in-the-round, nell’arena circolare della Royal Albert Hall era un’occasione troppo ghiotta per lasciarsela scappare. E allora in compagnia di tre college compiacenti, mi sono fatta un altro giro di Bohème!  
 
Riassumendo, si tratta di un’opera in quattro atti, su libretto di Giuseppe Giacosa e Luigi Illica ispirato al romanzo di Henri Murger Scènes de la vie de bohème – libretto che ebbe una gestazione alquanto laboriosa per la difficoltà di tradurre situazioni e i personaggi del testo in un’opera musicale. L’orchestrazione della partitura procedette invece speditamente e fu completata nel dicembre 1895. L’opera, ambientata nella Parigi del 1830 racconta  la vita di un gruppo di giovani artisti bohemian, tra cui il poeta Rodolfo, e costituisce lo sfondo della sua storia storia d’amore di con Mimì (grazie Wikipedia!).
Insieme a Tosca, La Bohème ha alcune delle arie che preferisco – dalle mitiche Che gelida manina, a Sì, mi chiamano Mimí cantata rispettivamente da Rodolfo e da Mimi nel I atto, al glorioso duetto O soave fanciulla, tra Rodolfo e Mimì interpretati da un ottimo cast (bravissimo il tenore kosovano Rame Lahaj) e cantata in italiano, che a Londra per quanto ne so solo la Royal Opera House mantiene le opere in lingua originale.
Non avevo mai visto un opera nell’arena della Royal Albert Hall. Concerti molti, tra cui uno splendido Paolo Conte nel 2010, ma non l’opera che le  dimensioni mastodontiche dell’ arena mi avevano sempre dissuaso. La regista Francesca Zambello ha trasportato l’originale ambientazione nella Parigi degli anni Quaranta, all’indomani della Seconda Guerra Mondiale, (splendidi i costumi) nella sua fantasiosa messa in scena in-the-round che riempie creativamente il vasto spazio circolare della platea. L’unico difetto (se proprio ne vogliamo trovare uno…), l’acustica non è ottima, ma c’era da aspettarselo che nell’immensita’ dell’Arbert Hall le sublimi melodie di Puccini si perdono un poco e non rende pienamente giustizia alla bravura dei musicisti della Royal Philharmonic Orchestra. Ma queste in fondo sono solo minuzie…


fino al 9 Marzo 2014
Royal Albert Hall
Kensington Gore,
London
SW7 2AP
http://www.royalalberthall.com

Il Royal College of Music


La musica classica è una passione relativamente recente, ma quella per la storia no. E questo vale anche per la storia degli strumenti musicali. Il Victoria and Albert Museum aveva una bellissima collezione di strumenti musicali antichi che tra la disperazione e il rammarico di molti amanti (inclusa la sottoscritta), è stata sacrificata al dio delle statistiche che non la vedeva abbastanza visitata e trasformata in spazio espositivo per mostre sulla moda. I pezzi della collezione che non sono stati  allocati ad altre gallerie del museo (Medieval and Renaissance, British Galleries, Furniture) sono stati messi in magazzino o donati in prestito permanente all’Horniman Museum and Gardens, un delizioso piccolo museo a Forrest Hill, al sud-est di Londra.

Fortuna che nella capitale ci sono altri musei che hanno collezioni di strumenti musicali antichi. Come quello del Royal College of Music per esempio. Fondato nel 1882 dal Principe di Galles (il futuro Edoardo VII) al posto del National Training School for Music, il conservatorio aprì l’anno successivo sotto la direzione di George Grove.
Royal College of Music. Londra. 2014© Paola Cacciari

Il College si trasferì nella sede attuale nel 1894, nel quartiere culturale di Albertopolis, dietro l’Imperial College e davanti alla Royal Albert Hall e comprende un piccolo museo di strumenti musicali aperto al pubblico che ospita una collezione di oltre mille strumenti, tra cui quello che si pensa essere più antico claviciterio (un clavicembalo a sviluppo verticale) conosciuto e datato 1480 circa. Uno strumento abbastanza raro, ma molto interessante. Ci sono inoltre strumenti strani e insoliti, macchinari per rafforzare le dita per i pianisti, strumenti da viaggio creati appositamente per i musicisti cosicche’ potessero fare pratica  (provate voi a portarvi in giro un pianoforte a coda se siete capaci!) quando lontani da casa, oltre a tromboniappartenuti (e suonati) da Edward William Elgar e Gustav Theodore Holst.

Royal College of Music. Londra. 2014©Paola Cacciari

Accanto a questi sono alcuni dei ritratti più significativi della collezione RCM, tra dipinti ad olio di Haydn, Boyce e Farinelli, così come manoscritti, prime edizioni stampate, fotografie, lettere e molti altri oggetti dalla Biblioteca e collezioni speciali.

Royal College of Music. Londra. 2014©Paola Cacciari

Che vita sarebbe senza Puccini?

Portare una mandria di piccoli sacchetti di ormoni pronti ad esplodere in ogni momento (come solo i ragazzini della terza media possono essere) all’opera è tempo perso. Lo so, perchè c’ero anch’io. E pur non essendo in fase ormonale come molti miei compagni delle scuole medie (sono sempre arrivata in ritardo su tutto io, anche su questo) ricordo di essermi placidamente annoiata per un paio di pomeriggi. Che se non altro avevo avuto l’occasione di dare una sbirciata all’interno del Teatro Comunale di Bologna e sognare di vivere in un altra epoca (o in un altro mondo…).

 

Poi ho visto Camera con vista e qualcosa è cambiato in me: mi sono innamorata. Dell’opera. E di Giacomo Puccini. La bellezza patinata di Firenze e della campagna inglese, i costumi del primo Novecento, la bellezza eterea di Helena Bonham-Carter persa tra i fiori delle colline toscane, ma soprattutto la musica stupenda di Puccini mi faceva venire la pelle d’oca (mentre Julian Sands nei panni del “fusto” in abiti edoardiani faceva il resto…).

Da allora O mio Babbino caro dal Gianni Schicchi è una delle mie arie preferite, ho consumato il CD con le più belle opere di Puccini a forza di ascoltarlo; anni fa ho avuto la fortuna di sentire quell’aria cantata da Angela Gheorgiu alla Royal Festival Hall in un modo così sublime che alla fine mi sono commossa sotto gli occhi allibiti della mia dolce metà, ma non avevo mai visto l’opera. Anzi, non avevo mai visto Il Trittico.  Che a quanto pare non è molto rappresentato (l’ultima volta che la Royal Opera House di Londra l’ha rappresentato era nel 1965…). Ed è stata un’eperienza. Bello e sanguigno Il Tabarro, bella e straziante la storia di Suor Angelica, ma io aspettavo solo Gianni Schicchi. E anche stavolta, in una Royal Opera House stipata fino all’inverosimile, mi è venuta la pelle d’oca che davanti alla bellezza mi commuovo sempre… Che vita sarebbe senza musica e senza teatro? Che vita sarebbe senza Puccini?

BBC – Proms 2011

Royal Albert Hall

Un grande notizia per gli amanti della musica classica: The BBC Proms stanno per ricominciare!

La più famosa stagione concertistica inglese  ospitata dalla Royal Albert Hall da Luglio a Settembre, The Proms ci delizieranno con una serie di concerti (uno al giorno per la precisione) di musica classica eseguiti dalla grande orchestra sinfonica della BBC.
Dal 1895 la manifestazione offre concerti ad altissimo livello a prezzi popolari, in un’atmosfera informale e rilassata.

Biglietti a partire da £5 (senza prenotazione) sono disponibili tutti i giorni  alla biglietteria della Royal Albert Hall.

BBC Proms 
Dal 15 Luglio al 10 Settembre.

Bach e una birra? No, grazie!

Il fatto che per rendere più interessante la musica classica, colpevole di essere troppo formale ed elitaria, ora si voglia rendere meno formale l’atmosfera dei concerti infarcendoli di libertà di chiacchiera e birra a volontà mentre si ascoltano Bach o Beethoven mi fa davvero imbestialire. Non sono sufficienti musei e biblioteche trasformati in parco dei divertimenti: ora  è la volta dei concerti di classica.

Roayl Albert Hall

Royal Albert Hall. London, 2014. Photo by Paola Cacciari

Che qualche sera fa io e la mia dolce metà siamo andati ad un concerto alla Royal Albert Hall. Il biglietto era economico (ok, eravamo in piccionaia, lontani dal palco, ma che importa?  È sempre la Royal Albert Hall!) ed il programma del concerto era molto bello. Ma appena abbassate le luci  è cominciata la processione di ritardatari che trattenutisi al bar fino all’ultimo secondo, cercavano di arrivare al loro posto senza rovesciare la loro pinta di Guinness sugli altri spettatori, non tanto preoccupati per gli abiti degli sfortunati in questione, ma perchè per comprare qualcosa al bar di queste istituzioni ci vuole un mutuo. Una volta sedutisi i vagabondi della birra, l’auditorium si  è riempito di lucciole che ad un secondo sguardo altro non erano che le luci degli schermi di tanti cellulari mentre l’orchestra suonava l’Overture del Barbiere di Siviglia e neonati che strillavano a pieni polmoni durante il Concerto per pianoforte e orchestra n. 2 di Rachmaninov costringendo i genitori ad un continuo alzarsi ed uscire per calmare il neonato per poi rientrare, negoziare la strada al loro posto facendo alzare tutti di nuovo per poi ricominciare tutto daccapo dopo cinque minuti.

Ecco, queste sono le cose che davvero non capisco e non accetto: il fingere che il silenzio sia un optional. Che dei concerti di classica quello che mi piace, forse ancora più della musica, è l’atmosfera: l’arrivo del direttore, la folla che trattiene il respiro, le prime note suonate dall’orchesta che si perdono nell’aria ancora piena di silenzio. Quando ho voglia di saltare, ballare e strillare vado ad un concerto rock (o perlomeno ci andavo, prima che le ginocchia mi facessero troppo male per farlo…), non ad uno di classica. E quando il tipo di fianco a me ha tirato fuori dallo zaino un pachetto di patatine e ha cominciato a sgranocchiarle rumorosamente accompagnando il tutto da ampie sorsate di birra durante il finale della Shéhérazade di Rimsky-Korsakov mi sono cadute anche le palle deglio occhi. Che a costo di essere considerata intransigente, Bach e la birra per me insieme proprio non ci vanno … 

Diaghilev e la storia dei Balletti Russi: l’altra rivoluzione russa

Venerdì sera alternativo, passato per una volta non al museo, ma ad un concerto della London Philarmonic Orchestra a sentire  La  sagra della  Primavera (Le Sacre du printemps) di Igor Stravinskij.

Ma questa di Stravinskij, lungi dall’essere una nuova sinfonia in realtà era la musica per il balletto da lui creato con la coreografia di Vaslav Nijinsky per i Balletti Russi di Djaghilev nel 1913. Come spesso accadde con i Balletti Russi, la prima rappresentazione al Theatre des Champs-Elysées di Parigi fece scoppiare una vero e proprio pandemonio tra quelli che ritenevano questo balletto un abominio e quelli che invece lo esaltavano come la nascita della musica moderna. Ma Stravinskij non sarebbe stato nulla senza il supporto di quel personaggio geniale che era Sergei (Serge) Pavlovich Diaghilev (1872-1929).

Nato in Russia nel 1872 da una famiglia aristocratica di Novgorod, Diaghilev studia legge all’università prima di dedicarsi alla pittura, al canto e alla musica. Critico d’arte e affascinato dal balletto, diventa consigliere artistico dei teatri Imperiali di Pietroburgo prima di fondare con gli amici Leon Bakst e Alexandre Benois la rivista d’avanguardia Il mondo dell’arte.

Affascinato dal balletto, che occupa nella cultura russa un ruolo molto più importante che in qualsiasi altra nazione europea (incluse Francia e Italia dove la danza classica era nata all’inizio del XIX secolo), nel 1909 Diaghilev si imbarca nell’avventura che diventerà la sua ragione di vita. Avventura che è stata sapientemente raccontata da Diaghilev and the Golden Age of the Ballets Russes, 1909 – 1929, un’elettrizzante mostra al Victoria and Albert Museum di Londra. Circa trecento oggetti che vanno da scenari teatrali cubisti a costumi originali disegnati da geni come Picasso, De Chirico, Bakst e Matisse, accompagnati da poster e filmati d’epoca cronologicamente organizzati nelle tre sale, ad esplorare la storia della compagnia e soffermandosi occasionalmente, su temi personaggi o tematiche.

"Sergej Diaghilev (1872-1929) ritratto da Valentin Aleksandrovich Serov" by Valentin Alexandrovich Serov - PDF (for version uploaded on 2 January 2014). Licensed under Public Domain via Wikimedia Commons - https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Sergej_Diaghilev_(1872-1929)_ritratto_da_Valentin_Aleksandrovich_Serov.jpg#/media/File:Sergej_Diaghilev_(1872-1929)_ritratto_da_Valentin_Aleksandrovich_Serov.jpg

“Sergej Diaghilev (1872-1929) ritratto da Valentin Aleksandrovich Serov” by Valentin Alexandrovich Serov .

Critico d’arte e consigliere artistico dei teatri Imperiali di Pietroburgo, Diaghilev è passato alla storia per aver portato il balletto in generale – e il balletto russo in particolare – nel mondo degli sponsor privati (o quasi), nonchè per essere stato il più famoso omosessuale dal tempo di Oscar Wilde (che non a caso aveva incontrato e per cui nutriva grande stima).

E per chi come me è un po’ una profana in fatto di balletto (ma sto studiando molto…), la mostra del Victoria and Albert Museum è davvero illuminante. Che per esempio non sapevo che la compagnia di Diaghilev che per la cronaca comprendeva i migliori giovani ballerini russi, quasi tutti provenienti dal Teatro Mariinsky di San Pietroburgo, come Anna Pavlova e Vaslav Nijinskij (la stella della compagnia, con cui l’impresario ebbe un’appassionata relazione) avesse collaborato con moltissimi artisti delle Avanguardie artistiche del Novecento, come Derain, Matisse e Picasso. O che avesse lanciato le carriere di musicisti come Stravinskij, Prokofiev, Rimsky-Korsakov e dei miei adorati francesi Satie, Debussy e Ravel!

Diaghilev reinventa la sua compagnia come laboratorio e piattaforma di lancio per le avanguardie, collaborando con artisti come Picasso, Cocteau, Derain, Braque e Matisse e lanciando la carriera di musicisti come Stravinskij e Prokofiev. Inizialmente ispirata all’arte russa della fine del XIX secolo, la compagnia dei i Balletti Russi durante i vent’anni della sua esistenza pertipatetica cambia completamente la percezione europea in fatto di musica, colore e movimento. Da Scheherazade che unisce la musica di Rimsky-Korsakov, il virtuosismo del danzatore Vaslav Nijinsky e i disegni di Léon Bakst, a Parade che vede all’opera i geni di Eric Satie, Cocteau e Picasso.

Vaslav Nijinsky in Le Spectre de la Rose, by Bert, 1913. Valentine Gross Archive, © Victoria & Albert Museum, London

Vaslav Nijinsky in Le Spectre de la Rose, by Bert, 1913. Valentine Gross Archive, © Victoria & Albert Museum, London

Ma durante i devastanti anni della Prima Guerra Mondiale (1914-18) la compagnia si trova tagliata fuori dai grandi circuiti dell’Europa occidentale di Londra, Parigi, Berlino e Montecarlo. E se nel 1914 Diaghilev e Stravinsky erano rispettabili cittadini dell’Impero Russo, soli quattro anni dopo si trovano improvvisamente esililiati e senza patria in fuga da una Russia Bolscevica devastata dalla Guerra Civile. Ma non tutto il male viene per nuocere. Perchè questi sono gli anni vedono l’entrata in scena dei modernisti russi Natalia Goncharova, Mikhail Larionov e Naum Gabo e la collaborazione con i Futuristi italiani di Marinetti.

Materiali e costumi riflettono le alterne fortune dei balletti Russi – fortune che spesso ridussero sull’orlo della bancarotta sia Diaghilev che i suoi sponsor. Ma è il potere evocativo dei piccoli oggeti quotidiani presenti nella mostra che cattura l’immaginazione e ricorda il duro lavoro dietro la leggenda dei Balletti Russi. Un paio di logore scarpette da ballo, il manoscritto de L’uccello di Fuoco di Stravinsky pieno di ripensamenti e di cancellazioni, le poche cose possedute da Diaghilev – il suo mantello  da viaggio, l’inseparabile cappello a cilindro e i binocoli con cui ha osservato i trionfi (e gli occasionali disastri) della sua compagnia.

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Illustrations by Léon Bakst

La rivoluzione creata dalla visione di Diaghilev nel mondo del teatro influenzerà le arti visive e la danza cambiando per sempre non solo coreografie e scenari, ma anche il gusto del pubblico.

Di Picasso il V&A si è assicurato la presenza del monumentale (10.4mx11.7m) sipario de Le Train Bleu, disegnato dallo spagnolo nel 1924 e da lui formalmente dedicato a Diaghilev. Sarà il sipario ufficiale dei Balletti Russi per gli anni a venire. E se le dimensioni sono sorprendenti, ancora di più lo sono i segni dell’usura, le pieghe sulla sua superficie. Un testamento alla durezza della peripatetica esistenza di Diaghilev e della sua troupe durante i venta’nni della loro esistenza.

Nell’agosto del 1929, Diaghilev (1872 –1929) si spegne, povero ed esausto, al Grand Hotel di Venezia.  Cosi povero che il suo funerale fu pagato dalla sua amica Coco Chanel. Per uno che un volta disse che “non si può vivere, si può solo essere” Diaghilev ha vissuto la sua vita con sorprendente intensità. Il repertorio dei Ballets Russes ancora oggi resta un’insostituibile risorsa per coreografi di tutto il mondo. Un miracolo, che ancora adesso cattura l’immaginazione.

Londra// fino al 9 Gennaio 2011

Diaghilev and the Golden Age of the Ballets Russes, 1909 – 1929,

vam.ac.uk