Dorothea Lange/ Vanessa Winship

Uscendo dalla mostra, dopo un paio d’ore mica da ridere alle prese con la Grande Depressione americana e i Balcani post-comunisti, capisco il motivo per cui la Barbican Art Gallery ha deciso di allestire queste due mostre insieme. Ci sono molte sovrapposizioni nell’opera di queste due eccezionali fotografe, Dorothea Lange (1895-1965) e Vanessa Winship (nata nel 1960): dislocazione, spostamento, il modo in cui non solo i visi delle donne e dei bambini, ma anche gli edifici, i paesaggi e persino le automobili riflettono il collasso della società.

Dorothea Lange è venerata come una dea della fotografia documentaria del XX secolo. La fama della sua “Migrant Mother” – un’immagine scattata nel 1936 di Florence Leona Christine Thompson, una dei 300.000 americani negli anni Trenta fuggiromo dalla fame e dalla povertà del Midwest colpito dalla siccità – è tale che può a mio avviso che solo l’immagine del soldato morente scattata da Robert Capa durante la guerra civile spagnola  può equiparala. Tanto che il Barbican le ha dedicato una sorta di piccola cappella.

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Dorothea Lange. Portrait os Florence Thompson with several of her children in a photograph known as “Migrant Mother”. 1936

In questa immagine la donna fissa cupamente un punto lontano, lo sguardo perso nella distanza, lontana dalla sua famiglia, dalla sua disperata situazione e persino dall’atto di essere fotografata. È un’immagine tragica, di perdita totale ed assoluta e non sono di beni fisici (casa, terra, lavoro), ma di prospettive, di speranza e di identità. Lange chiamò questo stato “erosione dell’umanità”, rispecchiando nell’anima di queste persone ciò che stava accadendo al terreno agricolo che, coltivato in eccesso si era arreso alla natura, portando con sé questo pezzo del Sogno Americano.

È solo una parte della storia, però. Se i ritratti scattati alla gente comune che aveva deciso di migrare per sfuggire alla Grande Depressione e al Dust Bowl (la serie di tempeste di sabbia che colpirono gli Stati Uniti centrali e il Canada tra il 1931 e il 1939, causate da decenni di tecniche agricole inappropriate e dalla mancanza di rotazione delle colture) sono la parte piu’ conosciuta del lavoro della Lange, non sono le uniche immagini che la fotografa raccoglie degli Stati Uniti in ginocchio.

Dorothea Lange’s image of a migratory cotton picker, Eloy, in Arizona, 1940. Photograph: The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California
Dorothea Lange’s image of a migratory cotton picker, Eloy, in Arizona, 1940. Photograph: The Dorothea Lange Collection, the Oakland Museum of California

E così ci troviamo faccia a faccia con l’estrema povertà e il persistente e profondo razzismo del profondo Sud, con l’inumano confino dei giapponesi  e dei cittadini americani di origine giapponese durante la seconda guerra mondiale (qualcosa che sembra nuovamente possibile nell’era distopica del Governo Trump), e con la distruzione postbellica della sua amata California da costruttori edilizi senza scrupoli e cultori dell’automobile.

Al piano superiore della galleria d’arte, il lavoro di Vanessa Winship richiede un po’ di tempo per essere apprezzato. Sebbene non sia una fan delle didascalie poetico-oscure che descrivono (o no) le fotografie, devo dire che si respira un’atmosfera mistica nelle sue immagini (specialmente quelle degli stati balcanici post-comunisti); immagini permeate di una struggente e dolce-amara bellezza

Untitled from the series Imagined States and Desires: A Balkan Journey, 1999-2003 © Vanessa Winship
Untitled from the series Imagined States and Desires: A Balkan Journey, 1999-2003 © Vanessa Winship

Qui bambini e vecchi giocano tra monumenti commemorativi sovietici in rovina, memorie di un passato ancora molto recente. A differenza di quelle di Dorothea Lange, nelle immagini di vanessa Winship le persone sembrano riaffermarsi sul paesaggio. Ma come quelli della fotografa americana, anche questi sono  esseri umani erosi, ancora in parte legati a un regime morto come quello post comunista.

Ma e’ She Dances on Jackson la serie di fotografie che la  Winship ha scattato negli Stati Uniti nel 2011 che riecheggia maggiormente l’opera della Lange. Anche se i suoi giovani americani (alcuni sorridenti e ottimisti, alcuni impacciati, alcuni bianchi, altri appartenenti a minoranze etniche o linguistiche) non sono ridotti alla fame, il loro futuro nel mondo distopico dell’attuale America di Trump tuttavia non sembra più roseo di quello dei mezzadri sfollati immortalati dalla Lange.

Londra//fino al 2 Settembre 2018

Dorothea Lange: ‘Politics of Seeing’/ Vanessa Winship: And Time Folds

Barbican Art Gallery, Beech Street, London, EC2Y 8AE

Barbican Centre

2018 ©Paola Cacciari

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To Brexit or not To Brexit: that is the question…

…tanto per rimanere in tema shakespiriano, vista la natura del mio ultimo post sul Bardo. Ma davvero quanto sta accadendo in questo momento alla politica britannica su quanto riguarda la questione della Brexit fa sembrare Amleto e i suoi dubbi roba da principianti. Che sono passati 774 giorni (più o meno, la matematica non è  mai stata il mio forte…) da quando la Gran Bretagna ha votato per la Brexit e nessuno sembra sapere che pesci pigliare.

Nonostante la sua inettitudine, Theresa May è ancorata alla poltrona di Primo Ministro come un’ostrica allo scoglio mentre tutti i membri del Governi litigano con tutti. Da parte sua, l’ex Segretario di Stato per gli Affari Esteri e del Commonwealth (e un tempo sindaco di Londra) Boris Johnson che evidentemente si è auto-eletto equivalente britannico del nostro emerito Silvio Berlusconi, per non essere da meno del leggendario Cavaliere, si è messo d’impegno ad offendere quanta più gente possibile a destra e a sinistra, fuori e dentro dall’Europa. E intanto il tempo stringe (che ci sono solo poco più di sei mesi al fatidico giorno quando la Gran Bretagna tornerà a tutti gli effetti ad essere un’isola e lascierà l’UE) e il governo britannico continua a non avere una politica doganale. Andiamo bene. Esattamente quello che ci vuole a rassicurare noi cittadini europei residenti in UK (soprattutto se un po’ nevrotici come la sottoscritta), che da due anni ci siamo ritrovati a vivere in un limbo di sapore dantesco…

La conferma infatti che Permanent Residence Card verrà sostituito un non ancora ben definito settled status non mi rassicura affatto, anche perchè questo ancora fumoso nuovo stato giuridico non solo non mi garantisce gli stessi diritti della cittadinanza (come il votare alle elezioni politiche), ma mi potrebbe privare di alcuni dei diritti goduti fin’ora dai cittadini dell’UE, come la libera circolazione per esempio.

Come scrive Enrico Franceschini sul suo blog My Tube sul quotidiano La Repubblica,

“A suscitare non pochi timori, però, sempre secondo quanto si legge nel documento, ci sarebbe che il fatto che il settled status previsto per gli europei in UK, presupponga, tra l’altro, unicamente un sistema di registrazione digitale, e dunque non preveda il rilascio di un documento d’identità “fisico” – come invece avviene nel resto d’Europa – e questo potrebbe rappresentare un problema per i controlli necessari ad esempio da parte di datori di lavoro o padroni di casa, nonché rendere il sistema più vulnerabile alle frodi.”

C’è di che stare tranquilli insomma. :/

image courtesy Free Clip Arts
image courtesy Free Clip Arts

#BrexitShambles

2018 ©Paola Cacciari

Diario russo (A Russian Journal, 1948) di John Steinbeck con fotografie di RobertCapa

Cosa succede quando il premio Nobel John Steinbeck (1902-1968) e il suo amico fotografo, l’ungherese americano Robert Capa (1913-1954)decidono di unire le forze? Succede che nasce Diario russo (in inglese A Russian Journal, pubblicato nel 1948) uno dei libri di viaggio più poetici e divertenti del XX secolo.
Entrambi in bilico tra progetti finiti e progetti non ancora iniziati, nel 1947 i due amici decidono di visitare Mosca, l’Ucraina e la Georgia passando per quella che allora si chiamava ancora Stalingrado (nel 1961 ribattezzata Volgograd per decisione dell’allora segretario generale del PCUS Nikita Chruščёv).

La loro missione? Scoprire il popolo dell’Unione Sovietica, la gente comune e vedere con i loro occhi (e quelli della macchina fotografica) cosa indossano le persone, cosa servono per cena, come celebrano le loro festività – evitando per quanto possibile la propaganda della Guerra Fredda che allora al suo culmine.

La prosa di Steinbeck è una delizia e e le foto di Capa sono superlative. Mi pare di vederli all’opera, questi due giovanottoni americani – così caldi, onesti e divertenti. Uno Steinbeck semi-serio ammette apertamente che le loro osservazioni sono superficiali e non potrebbero mai essere altrimenti – e comunque quello non era il punto. Ma il tono è sempre pieno di affetto: il suo punto infatti è che le persone sono persone in tutto il mondo e come tali meritano il nostro rispetto (con l’eccezione dei prigionieri di guerra tedeschi che stanno ricostruendo Stalingrado – in fondo l’aveno distrutta loro…)

USSR. Moscow. August-September, 1947. Robert Capa and John Steinbeck.
USSR. Moscow. August-September, 1947. Robert Capa and John Steinbeck. © Robert Capa © International Center of Photography/Magnum Photos

Ma la cosa per me più divertente sono le descrizioni che Steinbeck da’ di Robert Capa. Per anni ho venerato questo guerriero della macchina fotografica, ammirandone le storiche immagini della Guerra Civile Spagnola e dello Sbarco in Normandia. Ma non avevo idea della persona. Nelle parole di Steinback, Capa si trasforma: non piu’ un’entità astratta dietro la macchina fotografica, diventa una persona in carne ed ossa (e tanti capelli!) dotato da un’infaticabile energia, che si chiude in bagno per ore a leggere i libri sottratti di nascosto ai giornalisti e ai diplomatici americani a Mosca, e che parla tutte le lingue del mondo con gli accenti sbagliati. È triste pensare che solo sei anni dopo l’uscita di questo libro, quella bomba di energia che era Robert Capa sarebbe morto, ucciso da una mina antiuomo in Indocina.

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Una magnifica istantanea, testuale e visiva, della Russia stalinista del dopoguerra, vista attraverso gli occhi di due viaggiatori che non si prendono troppo sul serio.

Nel sito dell’agenzia Magnum Photos trovate le altre magnifiche foto di Robert Capa www.magnumphotos.com/arts-culture/travel/robert-capa-russian-journal/

2018 ©Paola Cacciari

I giovani disoccupati di Tish Murtha

Vedendola da fuori, dalla realtà ovattata della mia piccola vita bolognese fatta di scuola, compiti, sabati pomeriggio in centro e domeniche pomeriggio al cinema, l’Inghilterra della fine degli anni Settanta e dei primi anni Ottanta sembrava un posto straordinariamente eccitante. Quegli erano gli anni dei Clash, dei Pink Floyd, di David Bowie e del New Romantic. Anni di grande innovazione e non solo nella musica pop, che avevano visto l’Inghilterra sconvolta da una controrivoluzione sociale, culturale e politica seconda solo a quella degli anni Sessanta. Avrei voluto esserci.

La “mia dolce metà” invece che in quegli anni c’è cresciuto, cerca di dimenticare di esserci stato. E dopo aver visto le foto di “Tish” Murtha (1956-2013) capisco anche perché.

 Kids jumping onto Mattresses, 1980 - Photograph: Tish Murtha/© Ella Murtha, All rights reserved.© Ella Murtha
Kids jumping onto Mattresses, 1980 – Photograph: Tish Murtha/© Ella Murtha, All rights reserved.© Ella Murtha

Nessuna bomba era caduta di recente su Kenilworth Road a Elswick, ma avrebbe potuto benissimo averlo fatto appena qualche giorno prima. Ma non ci troviamo nell’Inghilterra del dopoguerra, martoriata dalla bombe di Hitler, ma nella Newcastle Upon Tyne degli anni Ottanta dove, nel nord-ovest del Paese, grazie all’alacrità del governo di Margaret Thatcher nel distruggere l’industria manifatturiera e nel chiudere le miniere, in poco tempo erano spariti un milione di posti di lavoro.

La periferia ovest di Newcastle era tra i luoghi più colpiti. Qui i giovani si affacciavano alla vita adulta senza opportunità, tra il declino industriale e la stagnazione economica, vittime di una società che non era in grado di offrire una soluzione o un’alternativa ai loro problemi. Ora capisco cosa intenda il mio lui quando mi dice che non era facile essere adolescente sotto la Thatcher.

Youth Unemployment (1981)​ - Photograph: Tish Murtha/© Ella Murtha, All rights reserved.© Ella Murtha
Youth Unemployment (1981)​ – Photograph: Tish Murtha/© Ella Murtha, All rights reserved.© Ella Murtha

Le foto della Murtha sono una coraggiosa critica al governo conservatore, più impegnato a oscurare la portata del problema con la creazione di schemi fumosi come il “Programma per le opportunità giovanili”, che a fare qualcosa di concreto per coloro che avevano lasciato la scuola e si trovavano senza lavoro e senza alcuna speranza di trovarne uno. Quello della ragazza sulla sedia rovesciata, che sembra affondare sotto le macerie fumose della sua vita, era un mondo lontano anni luce dalla bolla dorata della City e dai suoi Yuppies.

Karen on overturned chair, 1980. Photograph: Tish Murtha/© Ella Murtha, All rights reserved.© Ella Murtha
Karen on overturned chair, 1980. Photograph: Tish Murtha/© Ella Murtha, All rights reserved.© Ella Murtha

Come racconta Owen Jones nel suo Chavs: The Demonization of the Working Class il sistema di classe britannico è “una prigione invisibile” da quale è sempre più difficile uscire per chi è nato in una famiglia della classe operaia. Sempre piú spesso solo un settore della popolazione può permettersi un’istruzione superiore in una scuola prestigiosa che a sua volta permetta di accedere ad un’Università prestigiosa e sucessivamente ad carriera redditizia. La Gran Bretagna è sulla buona strada per diventare una società gestita dai ricchi per i ricchi. A partire da quello della Thatcher, ogni governo successivo sembra essersi impegnato a smantellare i diritti politici ed economici della la classe operaia, e allo stesso tempo a trasformare agli occhi del ceto medio l’immagine del vecchio proletariato di un tempo (deferente, lavoratore, morale) in una crudele caricatura di se stesso (pigro, scansafatiche, amorale).

Ho letto questo libro nel gennaio del 2016, alla vigilia del Referendum e con ogni pagina cresceva la consapevolezza che l’uscita dall’Unione Europea fosse una realtà davvero da non sottovalutare. Londra (e il sud-est del Paese) è una bolla multietnica e multiculturale in una realtà politica, sociale e culturale che non ha nulla in comune con la Capitale. Gli adolescenti fotografati da Tish Murtha sono diventati adulti e hanno votato per la Brexit. E vedendo queste foto capisco anche il perché.

2018 © Paola Cacciari

Londra//fino al 14 Ottobre 2018.

Tish Murtha: Works 1976-1991, The Photographer’s Gallery

thephotographersgallery.org.uk

2 agosto 1980: Bologna non dimentica

La Stazione di Bologna, il 2 agosto del 1980 poco dopo lo scoppio della bomba
La Stazione di Bologna, il 2 agosto del 1980 poco dopo lo scoppio della bomba

Abito a Londra da quasi vent’anni, ma resto sempre una bolognese. E Bologna non dimentica quegli 85 morti.

La cultura nel XXI secolo

Ultimamente quando entro in un museo londinese mi sembra di entrare in un centro commerciale, più che in un tempio della cultura. Ci sono persone che mi danno il benvenuto appena varco la soglia dell’edificio, che mi chiedono come sto, se possono aiutarmi, se voglio una mappa, una tazza di tè, un biglietto per una mostra, che mi indicano la direzione del negozio o che mi invitano a contribuire al mantenimento dell’istituzione con una donazione. Sembra di essere assaliti da un esercito di cavallette. Mi faccio strada meglio che posso tra la foresta di “ambasciatori” che mi accolgono e mi danno il benvenuto, e mi allontano accompagnata da un trillante augurio di ricordarmi recensire l’attrazione turistica su Trip Advisor. Attrazione turistica???? A questo siamo arrivati: a fare dei musei attrazioni turistiche. In tutto questo, nessuno mi chiede se sono qui per visitare la collezione.

Capisco il problema. Il Governo Conservatore degli ultimi anni ha costretto musei e pinacoteche britanniche a trasformarsi in business per fare fronte a tagli nel settore (i tagli non ci sono solo in Italia). E le conseguenze per le istituzioni sono state devastanti.

La pressione esercitata dal Governo sulle istituzioni culturali per allargare l’audience e attirare famiglie, minoranze etniche e classi sociali svantaggiate si è tradotta in un’esplosione di mostre che si possono a loro volta facilmente tradurre in progetti per la scuola, piuttosto che concentrarsi in aspetti poco noti delle loro collezioni. La nostra ė’ l’era delle mostre blockbuster, ossia commerciali, che portano gente e di conseguenza denaro. E se le mostre sono sempre più spesso dedicate a cantanti e gruppi musicali (Kyle Minogue, David Bowie, Rolling Stones, Pink Floyd, Abba, Michael Jackson) o di qualità discutibile (come la mostra-pacco sugli impressionistri a Londra di Tate Britain), non importa. La gente viene e compra la T-shirt o il catalogo; le scuole accorrono in massa. Missione compiuta. A caval donato non si guarda in bocca.

E se da un lato comprendo il fatto che in un  periodo di recessione economica queste istituzioni devono trovare altrove i fondi per continuare a sopravvivere e mantenere l’ingresso libero (almeno sulla carta), dall’altro quello che sta accadendo alla cultura mi sembra una forma di prostituzione legittimata. Tanto è la pressione finanziaria che, nel panico di attirare gente promuovendo mostre a pagamento, eventi, conferenze, serate a tema etc etc etc, i musei britannici stanno perdendo credibilità o, ancora peggio, stiano perdendo la fiducia  nella capacità delle loro collezioni di attirare visitatori.

I titoli delle mostre sono cambiati, nomi altisonanti che semplificano e volgarizzano senza spiegare. Ricordo una mostra al British Museum su artefatti dello Yemen venduta al pubblico come “I tesori della regina di Saba”. Dubito che molti sapessero chi fosse la regina di Saba, ma l’esotismo intrinseco del nome da solo era molto più intrigante di qualcosa più accurato ma noioso come “I tesori dello Yemen.” Appunto.

Ma questo accade anche con i libri. Un saggio dello storico Paul Strathern sulla famiglia Medici è uscito in libreria con il titolo The Medici: Godfathers of the Renaissance. Come se paragonare Cosimo I a don Corleone sia sufficiente a staccare un pubblico dal cervello sempre più asfittico da computer e smartphones e introdurli alle gioie della storia. Inutile dire che non ho letto il libro pur apprezzando lo scrittore. Mi è sembrato un colpo troppo basso.

Persino la BBC pur mantendendo una parvenza di programmi di alta qualità (non si sa ancora per quanto, visto l’andazzo) un’orchestra e i Proms, ha dovuto arrendersi a orribili programmi modello Grande Fratello, quiz e soap opera. Documentari intellettualmente faticosi sono stati sostituiti da talk-show, chat-show e inoffensivi programmi di intrattenimento. Non si salva neppure la radio: qualche giorno fa ho sentito un presentatore di Classic FM chiamare Beethoven ‘il caro vecchio Ludwig’….

E se non c’è nulla di mal nello sdrammatizzare la cultura, questa caduta libera verso il cretinismo mi preoccupa. Invece di sollecitare dal pubblico uno sforzo mentale, le istituzioni culturali semplificano il linguaggio. E se in un passato dove l’educazione era un privilegio di pochi questo poteva essere encomiabile, oggi è un’azione ingiustificabile. La generazione WhatsApp, Snapchat o Messenger è pigra e impaziente. Presto finiremo con l’avere le didascalie nei musei che devono stare entro i 280 caratteri come in Twitter… :/

2018 © Paola Cacciari

Tutti pazzi per Frida

Anche chi non ne conosce il nome probabilmente ne riconoscerà i grandi occhi scuri, il severo monosopracciglio, le alaborate acconciature e l’abbigliamento colorato di Frida Khalo (1907-1954).

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Kahlo with an Olmeca figurine, Coyoacán 1939 Credit: Nickolas Muray

E sono proprio i suoi abiti (e i cosmetici, e le scarpe, prostetiche e no) ad essere i protagonisti della mostra del Victoria and Albert Museum. Nata a Coyoacán, una delegazione di Città del Messico, il 6 luglio del 1907 anche se amava dire di essere nata nel 1910, data della rivoluzione messicana di cui Frida si sentiva profondamente figlia.

Frida Kahlo On White Bench, a photograph by Nickolas Muray, taken in 1938
Frida Kahlo On White Bench, a photograph by Nickolas Muray, taken in 1938

Fino al 2004, l’iconico guardaroba dell’artista e’ stato tenuto gelosamente sottochiave, chiuso nel bagno (sì, il bagno) della casa di Città del Messico che Frida aveva condiviso con il marito Diego Rivera. Per quarant’anni la Casa Blu, come era conosciuta, ha ospitato oltre seimila fotografie, gioielli, medicine, cosmetici e, naturalmente, i suoi preziosi abiti. La moda per Frida era politica fatta tessuto, e lungi dall’essere un “costume di scena” da indossare in certe occasioni, era per lei una seconda pelle e abbraccia con entusiasmo il colore e il costume tradizionale del Messico meridionale, che usa per esprimere la sua identità culturale e la sua devozione alla causa della rivoluzione messicana.

Tutto di Frida Kahlo era coraggioso: era una rivoluzionaria, un’amante appassionata, un’artista audace. Ma la sua vita fu una sequenza di tragedie – dalla polio che da bambina la lascia con una gamba più corta all’incidente che, nel 1925, la lasciò invalida e dolorante per tutta la vita. Questa mostra sembra un santuario di quel dolore. Ci sono i corsetti di gesso su cui dipinge la falce e il martello del Partito Comunista a cui era devota; le medicine e gli antidolorifici, le stampelle e scarpe ortopediche e persino  la  gamba prostetica con un civettuolostivale rosso.

La sua vita fu una sequenza di tragedie: dalla polio che da bambina la lascia con una gamba più corta dell’altra, all’incidente nel quale perde quasi la vita e che la lascia severamente menomata e impossibilitata ad avere figli. E che dire del matrimonio con Diego Rivera (1886-1957), pittore e muralista messicano, molto più grande di lei e donnaiolo impenitente? Neanche a dirlo le sofferenze sentimentali non si fecero attendere e anche Frida si buttò nei rapporti extraconiugali, etero e non. Nel 1939 arrivarono persino a divorziare in quanto Rivera arriva a tradirla con Cristina Kahlo, la sorella di Frida, ma si risposarono nel 1940 a San Francisco.
In mostra anche i suoi autoritratti e le luminose e coloratissime fotografie di Nicholas Murray, con cui la Khalo ebbe una celebre storia d’amore. Ed ora scusate, ma devo andare a comprare qualche fiore da mettere tra i capelli…

2018 © Paola Cacciari

Londra//fino al 4 Novembre 2018
Frida Khalo: Making Herself Up

Victoria and Albert Museum

vam.ac.uk

Aspettando Donald Trump…

Ci siamo: il 13 Luglio Donald Trump arriverà nel Regno Unito, per la sua controversa e più volte rinviata visita, ma starà a Londra solo una notte. E come dargli torto?

384260Ci siamo: il 13 Luglio Donald Trump arriverà nel Regno Unito, per la sua controversa e più volte rinviata visita, ma starà a Londra solo una notte. E come dargli torto? Dubito che il benvenuto che lo aspetta nella Capitale sia di suo gradimento… Che oltre alle decine di migliaia di dimostranti che intendono manifestare contro di lui e la sua politica, ci sarà ad attenderlo anche un magnifico Baby Trump gonfiabile alto 6m che, come il maiale dei Pink Floyd si alzerà in volo sul cielo della Capitale.

Dopo qualche tentennamento iniziale (e una mega campagna di raccolta firme su Twitter) il mitico sindaco Sadiq Khan ha dato il permesso agli attivisti (che hanno raccolto oltre £16.000 per questo progetto) di fare volare il pallone sul Parlamento. In fondo ha detto, “la protesta, purchè pacifica, può assumere molte forme…”

Adoro Londra… 🙂 🙂  🙂 #trumpvisit

2018 © Paola Cacciari

 

Quando il design si fa politico. La protesta in mostra al London Design Museum

Leggere I quotidiani e guardare il telegiornale non è mai stato cosi deprimente come negli ultimi anni. Disordini politici, crisi finanziarie globali, la primavera araba, il movimento Occupy, petrolio in mare, attacchi terroristici, Assad, Putin, Brexit e l’ascesa di Donald Trump e potrei continuare: mai come ora il mondo sembra in caduta libera. E mai come ora i movimenti politici, di protesta e di controcultura sono consci del potere dei simboli come mezzo di diffusione delle loro idee e di conseguenza dell’importanza di creare poster, slogan video e foto efficaci nel catturare l’attenzione di chi guarda. Social media come Facebook e Twitter hanno permesso la facile diffusione di idee e movimenti. Ergo,  mai come ora gli attivisti e i movimenti di protesta hanno prestato tanta attenzione al design dei loro visuals per entrare nelle case e nelle vite della gente.

Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari
Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari

Intitolata Hope to Nope: Graphics and Politics 2008-18, la mostra del Design Museum esamina i risultati visivi di quest’ultimo tumultuoso decennio, da quando Shepard Fairey ha realizzato il poster di Hope per la campagna presidenziale del 2008 di Barack Obama e a cui i detrattori di Trump si sono ispirati rifacendo l’immagine di Fairey con il meme di Trump Nope. Ma il berretto rosso da baseball divenuto simbolo della campagna presidenziale di Trump esposto in un teca di perspex al Design Museum, con le scritta “Make America Great Again” cucita in modo grossolano e certamente economico, ci ricorda che un design attento e curato non significa necessariamente un design efficace.

Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari
Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari

A volte il “brutto e cattivo” può essere migliore. Il cappellino da baseball ha funzionato proprio per la sua semplicità, il suo essere alla portata dell’uomo (e donna, e bambino) comune, quello a cui Trump parlava – in netto contrasto con i distintivi ben fatti e attentamente disegnati della campagna di Hilary Clinton. Ho seguito con incredulità la terribile campagna presidenziale di Trump con la speranza che quella parte di americani che agitava i cappellini rossi ai suoi comizi rinsavisse e vedesse quando scandaloso fosse il loro candidato. Ma ora mi rendo conto che Trump ha vinto non a dispetto del cattivo design della sua campagna, ma proprio grazie ad esso.  Trump ha fatto sembrare il design di buon gusto sospetto.

Una cosa simile è accaduta per la campagna per il Referendum per Brexit nel 2016. Paragonato alla grafica nitida della campagna per restare nella EU Britain Stronger in Europe, progettato da esperti di branding o alla delicata bellezza dei poster disegnati dall’artista/fotografo Wolfgang Tillmans, i sottobicchieri da birra con la scritta Pro-Brexit “Stop Messing about!” (“smettiamola di scherzare!”), che sembrano disegnati al computer dal fondatore del pub Wetherspoons, Tim Martin sono di una semplicità sbalorditiva e, com del cappellino rosso di Trump, vanno direttamente al punto. Non si può fare a meno di essere colpiti dalla lucidità, ingegno e dalla creatività di questi oggetti.

Come l’arazzo creato dai grafici del quotidiano pro-Brexit The Sun per celebrare lo storico prestito alla Gran Bretagna da parte della Francia del famoso Arazzo di Bayeux un tessuto ricamato (non un vero e proprio arazzo, a dispetto del nome corrente) lungo 68,30 metri, realizzato in Normandia o in Inghilterra nella seconda metà dell’XI secolo, che descrive per immagini gli avvenimenti chiave relativi alla conquista normanna dell’Inghilterra del 1066, culminanti con la battaglia di Hastings. L’arazzo cartaceo del Sun, chiamato opportunamente Bye-EU Tapestry, è un esempio chiave di come la progettazione grafica può rappresentare diverse letture politiche degli stessi eventi e come tale, è un oggetto rilevante e divertente del dibattito nazionale. E sebbene sia ancora molto arrabbiata da Brexit (#Brexitshambles) non ho potuto non godermi la graffiante ironia dei grafici di questo quotidiano banderuola…

 

Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari
Bye-EU tapestry (The Sun) Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari

 

Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari
Bye-EU tapestry (The Sun). Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari

La mia preferita l’esilarante macchina in cui un Donald Trump in veste di cartomate predice la fortuna, anche se viste le profezie che escono da quella sua boccaccia, sarebbe meglio dire la sfortuna… Creata un mese prima delle elezioni presidenziali, la macchina voleva dare agli elettori un assaggio di cosa sarebbe stato avere Donald Trump come presidente senza doverlo eleggere. Evidentemente una macchina sola non è stata sufficiente per raggiungere abbastanza persone in un paese vasto come gli Stati Uniti, ma è geniale, anche se in modo vagamente raccapricciante.

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All-seeing Trump Machine. Hope to Nope, Design Museum. London 2018 © Paola Cacciari

La mostra giunge in un momento in cui i musei sono sempre più interessati alle immagini e della protesta, cercando freneticamente di tenere il passo acquisendo gli artefatti fisici degli eventi attuali. Lo spazio permanente “Rapid Response Collecting” creato dal Victoria and Albert Museum nel 2014, ha visto il berretto rosa Pussyhat, indossato nelle marce femminili 2017 contro Trump, entrare nella collezione permanente del museo londinese, insieme alla maglietta Nike Jeremy Corbyn (non approvata, almeno ufficialmente, né dalla Nike né dal Labour party).

Che dire? Sono tempi difficili. Speriamo di uscirne.

Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari
Hope to Nope, Design Museum. London 2018 ©Paola Cacciari

2018 © Paola Cacciari

Londra// fino al 12 Agosto

Hope to Nope: Graphics and Politics 2008-18

Design Museum designmuseum.org

 

 

 

 

 

I 250 anni della Summer Exhibition 2018

E anche quest’anno è arrivata, puntuale come la mia allergia al polline. Che con Wimbledon, i Proms e la pioggia, la Summer Exhibition è una delle certezze assolute dell’estate Londinese. Non manca infatti all’appuntamento con il calendario artistico della Capitale dal 1769 e neanche le bombe di Hitler riuscirono ad interromperla. Il motivo di tanto successo? La sua formula unica nel mondo dell’arte

Ospitata alla Royal Academy nello splendore palladiano di Burlington House, la Summer Exhibition è la più vasta – nonché la più famosa – esposizione di arte contemporanea del Regno Unito. Aperta a tutti gli artisti, quelli già famosi e quelli che sperano di diventarlo, la mostra si tiene ogni estate da Giugno ad Agosto, e si compone di dipinti, installazioni, disegni, sculture, stampe e modelli architettonici.

Quest’anno è curata da Grayson Perry. Nel chiedere artista-ceramista di co-curare la mostra, che quest’anno celebra il suo 250esimo anniversario, la Royal Academy sapeva che non poteva aspettarsi nulla troppo tradizionale. E Perry non ha deluso, salvando così (grazie al cielo!!) la Summer Exhibition dall’inevitabile mediocrità e auto-indulgenza in cui questo iconico appuntamento stava scivolando.  Ma quest’anno no: ironica, politica, divertente e piena di graffiante satira, la mostra della Royal Academy è una vera e propria sferzata di energia.

250th Summer Exhibition, Royal Academy, London2018 © Paola Cacciari

La stanza più grande della Burlington House curata dallo stesso Perry, è dipinta di giallo brillante ed è densa di opere strane e accattivanti e politicamente ed esteticamente varie ed eventuali. Accanto ad una scultura allungata in vetroresina della Pantera Rosa di Olga Lomaka, è appeso un ritratto di Nigel Farage in vendita per £25,000 sterline. Il perché qualcuno sia disposto a pagare una tale somma per il ritratto di uno stronzo è una cosa che trascende la mia capacità di comprensione, ma così lo sono molte altre cose in politica. Comunque.

Niger Farage Mp, 250th Summer Exhibition, Royal Academy, London2018 © Paol
Niger Farage Mp, 250th Summer Exhibition, Royal Academy, London2018 © Paol

Poco lontano, sulla stessa parete sta un’opera di Banksy dal titolo Vote to Love, in vendita per 350milioni di sterline: la stessa cifra che Farage e aveva promesso di donare all’NHS, il servizio sanitaro britannico se gli elettori avessero votato Brexit (il catalogo della mostra, tuttavia, invita i potenziali acquirenti a rivolgersi al punto vendita per conoscere il vero costo dell’opera…). Solo alla Summer Exhibition Banksy potrebbe condividere lo spazio con Farage.

Banksy, 250th Summer Exhibition, Royal Academy, London2018 © Paola Cacciari
Banksy, Vote to Love, 250th Summer Exhibition, Royal Academy, London2018 © Paola Cacciari

E almeno due opere sono dedicate alla Grenfell Tower, una intitolata Five Grand (colloquiale per 5,000 sterline: la somma che l’amministrazione del quartiere di Kensington si è rifiutata di spendere per un rivestimento esterno anti-incendio della torre, optando invece per uno normale (un materiale proibito sia in Germania e in USA).

Banksy, 250th Summer Exhibition, Royal Academy, London2018 © Paola Cacciari
Five Grand, 250th Summer Exhibition, Royal Academy, London2018 © Paola Cacciari

Perseguitata dal ricordo della Grenfell Tower e da Brexit, questa mostra è lontana dall’innoqua ‘festicciuola’ in giardino a cui la Summer exhibition ci aveva abituati negli ultimi anni. Al contrario, è un’affascinante e inquietante ritratto psicologico della Gran Bretagna nel 2018.

2018 © Paola Cacciari

Londra // fino al 19 Agosto,

The 250th Summer Exhibition

Royal Academy of Arts, Burlington House, Piccadilly, London W1J 0BD.